Mujeres Compositoras

Como en muchos otros campos dominados por los hombres, durante siglos las mujeres músicos han tenido que superar infinitas dificultades para crear su arte, compartirlo con el mundo y ser reconocidas por sus creaciones.

Discriminadas por su sexo, y a menudo bajo la sombra de los hombres a pesar de su talento, durante siglos se esperaba que las mujeres aprendieran a tocar un instrumento. Sin embargo, independientemente de su talento o incluso su prodigio, no se les animaba a hacer una carrera de ello. 

Su música era a menudo descartada por ser 'demasiado femenina', e incluso las mujeres con éxito y talento tenían que sacrificar sus carreras para atender a sus familias, su percibida 'prioridad natural'. 

Aunque a lo largo de la historia han existido muchos esfuerzos para incluir a las mujeres en la música - como el conjunto musical femenino en la Ospedalle della Pieta, el Concerto delle donne o el Conservatorio Femina-Música, por nombrar algunos - durante siglos las convenciones sociales prevalecientes impusieron severas limitaciones a las mujeres que deseaban seguir una carrera en el campo, especialmente si no pertenecían a la nobleza.

Afortunadamente, a medida que los tiempos cambiaron y las mujeres se expandieron a otros campos, la música no fue la excepción. Y a pesar de todos estos obstáculos, la lista de mujeres músicos que nos ha llegado es sorprendentemente larga, revelando niveles insospechados y a menudo no escuchados de calidad musical.

Aquí les invitamos a descubrir – ¡o re-descubrir!– a doce de las mujeres compositoras más brillantes de todos los tiempos.

1.-Hildegard von Bingen (1098 - 1179)

Aunque seguramente hubo mujeres compositoras en la antigüedad, la primera de la que tenemos registros es Hildegard von Bingen.

Hija menor de una familia de la baja nobleza Sajona, fue ofrecida como oblata a la iglesia, como era tradición en aquella época, ingresando al convento alrededor de los 12 años. Pero incluso antes de esto, Hildegarda ya había reportado haber visto visiones, eventos que permanecieron a lo largo de su vida y le otorgaron un aire de santidad. 

Hildegard siguió las formas litúrgicas de antífonas, responsorios, secuencias e himnos, y supervisó a menudo la copia de manuscritos musicales. Casi 80 de sus obras sobreviven hasta nuestros días, incluyendo el drama moral Ordo Virtutum. 

El estilo musical de Hildergarde es audaz y único, lleno de armonías dramáticas y largas notas con breves intervalos, difíciles de sostener por cantantes no entrenados y que, de hecho, requieren estar entrenados en una técnica de canto especial.

En 1994, su trabajo fue actualizado en el CD de Angel Records Vision: The Music of Hildegard von Bingen, mezclando las voces de Emily van Evera y la hermana Germaine Fritz con arreglos de música del mundo y electrónica realizados por Richard Souther. 

Aunque los puristas musicales se estremecieron, el esfuerzo reflejó las tendencias musicales del momento y revivió su legado, llevando su música a una nueva generación de oyentes

O Viridissima Virga (5:14)

https://youtu.be/nVm8ZMnpxKI?si=V2exS4J4zTnQ02tE

Vision - O Viridissima Virga (3:22)

https://youtu.be/8kf6myNBGyo?si=iCVjvhFkmaSxATAk

Abadesa, visionaria, poetisa, dramaturga, herbolaria y compositora, mil años después de su nacimiento, Hildegard von Bingen sigue siendo una de las más grandes compositoras de la historia de la música.

2.- Tarquinia Molza (1542 – 1617)

Nacida en Módena, fue la mayor de nueve hijos. 

Como muchas mujeres de su tiempo y antes que ella, la inteligencia y los talentos de Tarquinia florecieron gracias a la decisión de su padre de otorgarle la misma educación que recibían los hombres. Así, desde una edad temprana Tarquinia recibió lecciones de griego, latín, hebreo, filosofía, matemáticas y astronomía de maestros reputados, hasta la edad de dieciséis años.

Para su fortuna, después de su matrimonio en 1560, su marido, Paolo Porrino, aceptó que continuara sus estudios. Desafortunadamente, su marido murió cuando Tarquinia tenía 37 años. 

En su nueva condición de viuda, Tarquinia fue reclutada para ser la dama de compañía de la duquesa Margherita Gonzaga d'Este. En la corte, Tarquinia amplió sus talentos musicales, convirtiéndose en una famosa cantante, intérprete musical, directora de orquesta y compositora. 

Era considerada una gran virtuosa, tocando la viola bastarda, viola da mano, clavier y laúd. 

En otra rareza de su tiempo, Tarquinia fue entrenada en los estilos de canto masculino y femenino claramente diferentes, y sus contribuciones a la música vocal ayudaron a desarrollar el madrigal del Renacimiento tardío. 

También participó en el famoso conjunto Concerto delle donne.

Tarquinia Molza - Eran le vostre lagrime nel viso (2:30)

https://youtu.be/VPBq3BF1cWg?si=E-BjcEcr5SlO_tI1

En 1589, Tarquinia fue acusada de tener una aventura con el compositor flamenco Giaches de Wert. Dado que la nobleza menor tenía prohibido involucrarse con la clase sirviente, Molza fue destituida de su cargo, pero continuó su trabajo en las artes y las ciencias, componiendo música, escribiendo poesía y artículos científicos.

3.- Maria Anna Mozart (Nannerl) (1751 - 1829)

Aunque eclipsada por su mundialmente famoso hermano, Nannerl Mozart era un genio musical por derecho propio. De hecho, Wolfgang no fue el primero de la familia Mozart en impresionar a Europa por su calidad como músico y compositor, sino su hermana, María Anna. 

Maria Anna Walburga Ignatia Mozart, apodada Nannerl y también conocida como Marianne, fue una niña prodigio y excelente clavecinista. 

Cuando era niña, viajó extensamente junto a su hermano, Wolfgang, actuando con gran éxito en Munich, Viena, los Países Bajos, Londres y París. Una de las reseñas de 1763 decía: "Imagínese a una niña de 11 años que puede interpretar en el clavicordio o en el fortepiano las sonatas y los conciertos más difíciles de los grandes maestros, con la mayor precisión, facilidad y con una facilidad casi increíble, con el gusto mas exquisito".

Sin embargo, en 1769, cuando Nannerl tenía 17 años, ya no calificaba como niña prodigio y el interés por el dúo disminuyó.

Aunque su padre era consciente de su talento musical, una carrera en la música para las mujeres era mal considerada, y el matrimonio era su única opción de apoyo financiero. Así, mientras su hermano seguía de gira y tocando, construyendo su carrera musical, Nannerl tuvo que quedarse en Salzburgo con su madre. 

Anticipando sus limitadas opciones y preocupado por su futuro, Leopold había entrenado a Nannerl para que se convirtiera en profesora de música, una ocupación 'apropiada' para las mujeres de su rango.

Habiendo sido enseñada exclusivamente por su padre, Nannerl siguió su reputado método musical y se convirtió en una autoridad en su técnica, a menudo ayudando a su padre con sus estudiantes.

Casada a la edad de 33 años, Nannerl continuó componiendo canciones y aún tuvo oportunidades ocasionales para actuar. En 1781 viajó a Munich para asistir al estreno de la ópera de Wolfgang "Idomeneo", con un viaje lateral a Augsburgo para actuar con él. Más tarde fue invitada a convertirse en la única miembro femenino de una orquesta aficionada organizada por el joven conde Prokop Adalbert Czernin, así como otras oportunidades para actuar en Salzburgo.

A través de su correspondencia con su hermano, sabemos que Nannerl compuso piezas musicales, aunque ninguna de ellas sobrevive hasta nuestros días. En una de sus cartas, Wolfgang escribió: "¡Mi querida hermana! Estoy impresionado de que puedas componer tan bien, en una palabra, la canción que escribiste es hermosa."

Se sabe que Nannerl ayudó a Wolfgang en su formación musical, así como en sus composiciones hasta los 11 años. Por lo tanto, algunas de las primeras composiciones atribuidas a Wolfgang, como su Sonata en C para piano (K.19d) escrita en 1765, ahora se disputa su autoría debido a diferencias técnicas con el estilo musical típico de Wolfgang y errores de partitura que pueden indicar que estos fueron transcritos de partituras de clavicordio. 

Estas pistas han hecho que muchos musicólogos crean que estas composiciones eran en realidad de Leopold o Marianne.

Wolfgang Amadeus & Maria-Anna Mozart

Sonata para violín y clavicordio No.1 (K.6) (12:33)

https://youtu.be/3S2e4qDOhhs?si=eUcKbefC7ux7tFuq

Después de la muerte de su marido en 1801, y a pesar de ser financieramente estable, Nannerl regresó a la enseñanza. También reanudó su carrera musical, sobre todo con conciertos en el palacio del príncipe Ernst von Schwarzenberg. Más de treinta años después de que su carrera como prodigio musical había sido sofocada, las críticas positivas de la prensa volvieron a aparecer.

Nannerl jugó un papel fundamental en la preservación del cuerpo de trabajo de Wolfgang, y después de su muerte, ella olvidó sus diferencias con su cuñada, Constance, para trabajar junto a ella en una biografía de Mozart, con el objetivo de ordenar toda su obra

Su vida inspiró la película francesa de 2010 Nannerl la Soeur de Mozart, y ha aparecido en varias biografías, documentales y novelas sobre su famoso hermano.

4.- Fanny Mendelsohn (1805 - 1847)

Fanny Cäcilie Mendelssohn, también conocida como Fanny Mendelssohn Bartholdy, y Fanny Hensel, fue una talentosa músico y compositora. 

Desde temprana edad, ella y su hermano Félix recibieron una completa educación musical de su madre, y más tarde de los compositores Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter. Este último escribió a Goethe que Fanny 'podría darle algo de Johann Sebastian Bach. Esta niña es realmente algo especial.' 

Aunque elogiada por su excelente técnica de piano, Fanny rara vez actuaba fuera de su círculo de familiares y amigos.

Sin embargo, a pesar de las reservas de su familia y las estrictas convenciones sociales de la época sobre las mujeres en las artes, Fanny compuso con frecuencia, y durante su vida seis de sus canciones fueron publicadas bajo el nombre de su hermano. 

En 1846 dio un salto valiente y publicó una colección de canciones como su Opus 1. 

La mayoría de las obras de Fanny son Lied für Klavier (Canciones para piano) y otras piezas para piano, ya que sentía que, no habiendo estudiado o tocado instrumentos de cuerda, sus habilidades técnicas no se extendían a composiciones más complejas como música de cámara u obras corales. 

De hecho, expresó esta inseguridad a Félix en una carta cuando, después de completar su cuarteto de cuerdas, escribió: "Me falta la capacidad para sostener las ideas adecuadamente y darles la consistencia necesaria. Por lo tanto, los lieder me convienen mejor, en los que, si es necesario, puede bastar una idea bonita sin mucho potencial de desarrollo."

A pesar de su auto-deprecación, los musicólogos coinciden en que Fanny fue más experimental con sus lieder que su hermano, y que sus obras tienen una "densidad armónica" que sirve para expresar la emoción.

Fanny Mendelssohn - Piano Trio, Op. 11 (6:04)

https://youtu.be/4kPBHuvKPuQ?si=hmF9TVz2tI9IFTPb

En total, Fanny Mendelssohn compuso más de 450 piezas musicales, que incluyen un cuarteto de cuerda, un trío de piano, un cuarteto de piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 canciones (lieder).  

En una famosa anécdota, la reina Victoria declaró una vez que su pieza favorita de Félix Mendelssohn era su canción 'Italien', solo para descubrir más tarde que había sido compuesta por su hermana Fanny. 

A pesar de vivir bajo la sombra de su hermano durante la mayor parte de su vida, Fanny y Félix tenían una relación de apoyo, a menudo citándose mutuamente como inspiración musical. 

En 1847, Fanny murió de un derrame cerebral a la edad de 41 años, mientras dirigía uno de los oratorios de Félix, dejándonos con la incógnita de qué otra maravillosa música habría escrito si hubiera vivido más tiempo.

Para un completo listado de sus composiciones, vean:

https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Fanny_Mendelssohn

5.- Emilia Giuliani-Giuglielmi (1813-1850)

Hija del famoso guitarrista y compositor italiano Mauro Giuliani con su amante vienesa, Anna Wiesenberger, Emilia comenzó a tocar la guitarra a una edad muy temprana bajo la instrucción de su padre. 

En 1828, a la edad de 15 años, Emilia tocó su primer concierto con su padre en Nápoles.

Desafortunadamente, Mauro murió al año siguiente. Para entonces, además de las limitaciones sociales de la época con respecto a las mujeres en la música, el interés por la música de guitarra en toda Europa había disminuido, y debió luchar para hacerse una carrera musical. 

Sin embargo, su talent era evidente, y realizó varias giras por Europa Central y del Sur, causando considerable impresión en quienes la oyeron tocar, incluso compartiendo el escenario con Franz Liszt. 

Emilia se casó con el aspirante a compositor de ópera Luigi Guglielmi, y continuó componiendo y recorriendo Europa con gran éxito. Desafortunadamente, a pesar de que fue considerada una notable músico por el público y los críticos por igual, Emilia no logró atraer un gran número de seguidores o un mercado sustancial para sus composiciones. Durante una gira por Hungría, enfermó de fiebre y murió a los 37 años.

Afortunadamente para nosotros, parte de su música ha sobrevivido para deleite del público contemporáneo, y su talento ha sido reivindicado.

Emilia Giugliani-Giuglielmi - Prelude Number 3 (1:51)

https://youtu.be/XIsPUtUTBXs?si=tBG-F8F2y-aWBUbC

Aunque es tentador comparar sus composiciones con las de su padre, su calidad única las hace destacar por sí mismas.

Mientras que las composiciones de Mauro están anclada en la armonía clásica vienesa, el trabajo de Emilia es rico en carácter, abarcando disonancia, cromatismo y otras técnicas nuevas, creando técnicas inventivas, como una técnica tremolo para imitar el efecto de notas retenidas más de lo habitual. 

Sus seis preludios op.46 son una contribución única al repertorio de la guitarra clásica

6.- Clara Schumann (1819-1896)

La era romántica vio el ascenso de muchas mujeres en las artes, incluyendo a las hermanas Bronte, George Sand y Clara Schumann. 

De hecho, Clara fue una de las primeras mujeres músicos en la historia en disfrutar de una larga y reputada carrera.

Nacida Clara Josephine Wieck, comenzó a recibir instrucción básica de piano de su madre a la edad de cuatro años. Más tarde tomó lecciones de su padre, que siguió su propio método, el cual incluía el piano, violín, canto, teoría musical, armonía, composición y contrapunto. 

En 1828, a la edad de nueve años, Clara hizo su debut musical oficial con un éxito considerable. Ese mismo año, Clara conoció a otro joven pianista talentoso que había sido invitado a la misma velada musical, Robert Schumann, quien era nueve años mayor y que se convertiría en su marido 12 años más tarde.

Clara comenzó a componer música desde temprana edad, incluyendo sus Variaciones sobre un tema de Bellini y bravura Concierto para piano en la menor, escrito cuando solo tenia 16 años. 

A los 18 años, Clara ya daba recitales en Viena con gran éxito. Un crítico musical anónimo escribió: "La aparición de este artista puede considerarse como creadora de una época... En sus manos creativas, el pasaje más ordinario, el motivo más rutinario, adquiere un significado importante, un color que solo pueden dar aquellos con la maestría artística más consumada."

Pese a sus obligaciones como esposa de un compositor de renombre y sus 8 hijos, Clara logró establecerse como una de las pianistas más distinguidas de la era romántica, disfrutando de una carrera concertista de 61 años (increíblemente larga para cualquier músico, por no decir una mujer), y al mismo tiempo ejerciendo su influencia artística en el formato de recital de piano y el repertorio al disminuir la importancia de las obras puramente virtuosistas. 

Clara Wieck-Schumann, Ballade op. 6 no. 4 (6:04)

https://youtu.be/1dSC3By6-mg?si=GVw314zSrHu2D8xN

Las composiciones de Clara revelan una visión musical única, están llenas de virtuosismo, destreza técnica y emoción vívida, e incluyen piezas para piano solo, un concierto para piano, música de cámara, piezas corales y muchas canciones. 

Estrenó en público muchas obras de su marido y de Brahms, con quien los Schumann eran íntimos amigos. 

Después de la muerte de Robert a los 46 años, Clara continuó haciendo giras y actuando en Europa durante décadas. También editó la publicación de las obras de su marido, preservando así su legado musical.

En 1989, la efigie de Clara adornaba el billete alemán de 100 marcos antes de ser sustituido por el Euro. Cuando se cambió la moneda, se emitió un billete conmemorativo de 0 Euros con su efigie.

7.- Pauline Viardot (1821-1910)

Nacida Michelle Ferdinande Pauline García Sitches en París, era hija de Manuel García, tenor español, profesor de canto, compositor y empresario, y la soprano española Joaquina Sitches. 

Comenzó su formación musical bajo la tutela de su padre, que le dio clases de piano y canto. También tomó clases de piano con Franz Liszt, así como clases de contrapunto y armonía con Anton Reicha, el maestro de Liszt y Hector Berlioz. 

Como parte de una familia de músicos, Pauline viajó mucho desde temprana edad, y a la edad de seis años ya hablaba fuidamente el español, francés, inglés e italiano. Debutó profesionalmente como músico en la Ciudad de México como pianista, acompañando a su cuñado, el violinista Charles Auguste de Bériot.

Después de la muerte de su padre en 1832, su madre se hizo cargo de sus lecciones de canto y obligó a Pauline a centrarse en su voz en lugar del piano, una decisión que Pauline siempre lamentó. Sin embargo, continuó siendo un pianista excepcional toda su vida - una calidad atestiguada por Franz Liszt, Ignaz Moscheles, Adolphe Adam, Camille Saint-Saëns, entre otros- y a menudo tocó duetos con su amigo Frédéric Chopin.

Bajo la instrucción de su madre, Pauline se convirtió en una mezzo-soprano profesional y también comenzó a trabajar como entrenadora vocal, creando sus propias técnicas pedagógicas e incluso piezas de ensayo.

Aunque Pauline comenzó a componer cuando era joven, sus primeras piezas fueron escritas principalmente para ella misma, y más tarde como piezas privadas para sus estudiantes de técnica vocal, con el fin de ayudarlos a desarrollar sus habilidades vocales. Sin embargo, sus obras llamaron la atención de músicos de renombre e incluso Franz Liszt declaró que, con Pauline Viardot, el mundo había encontrado finalmente una compositora de genio.

Pauline Viardot - 6 morceaux pour violin et piano (18:37)

https://youtu.be/D_rz6dnOYA4?si=LbKz5dISt6wJNs0m

Entre 1864 y 1874 Pauline escribió tres óperas de salón - Trop de femmes (1867), L'ogre (1868) y Le dernier sorcier (1869), todas con libretos de Iván Turgenev - y más de cincuenta lieder. Sus dos óperas de salón - Le conte de fées (1879), y Cendrillon (1904) - fueron libretos propios.

Además de su genio musical, a Pauline se le atribuye la preservación del manuscrito original de "Don Giovanni" de Mozart.

Cuando era niña, Pauline viajó con su familia a la ciudad de Nueva York, donde su familia dio la primera representación completa de Don Giovanni de Mozart en los Estados Unidos, en presencia del libretista, Lorenzo Da Ponte.

Años más tarde, en 1855 cuando se encontraba en Londres, Pauline compró el manuscrito original de Don Giovanni escrito a mano por Mozart. Lo conservó como una reliquia preciada en su casa, donde fue admirado por artistas prominentes como Rossini y Tchaikovsky. 

En 1892, donó el manuscrito al Conservatorio de París, donde ahora se conserva y es accesible digitalmente a través de la división Gallica de la Bibliothèque Nationale de France.

Pauline continuó componiendo y enseñando hasta una edad avanzada, dejando un formidable legado al mundo de la música.

8.- Teresa Carreño (1853 - 1917)

Conocida como la «Valquiria del piano» por sus fieras dotes en el teclado, María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño y García de Sena comenzó sus estudios musicales desde los cinco años, siguiendo los ejercicios musicales compuestos por su padre, los cuales incluían las dificultades técnicas más importantes del teclado. 

Al progresar,  Teresa continuó sus estudios musicales con el pianista Jules Hohené, Georges Mathias y, una vez en Nueva York, con Louis Moreau Gottschalk. 

A los seis años Teresa publicó su primera obra, dedicada a su maestro y titulada "Gottschalk Waltz", la cual agotó tres ediciones sucesivas en un solo año.

En 1862, cuando Teresa contaba con solo nueve años, la familia se mudó a Nueva York, donde inmediatamente comenzó a dar pequeños conciertos privados a amigos de la familia. Poco después, ese mismo año, Teresita Carreño realizó su primer concierto en público en la sala Irving Hall de Nueva York, siendo recibida por una favorable crítica. 

La pequeña prodigio tuvo cinco presentaciones más, incluyendo una exitosa actuación en la Academia de Música de Brooklyn. 

En el otoño de 1863, Teresita ofreció un concierto privado en la Casa Blanca invitada por el entonces presidente estadounidense Abraham Lincoln.

A los 13 años, Teresa viajó a París, donde conoció a compositores famosos como Rossini, Gounod, y años más tarde a Maurice Ravel, Claude Debussy y Vivier. En el salón de Madame Erard, Teresa tuvo la oportunidad de tocar con Franz Liszt, quien quedó asombrado con sus facultades interpretativas. 

A sus giras europeas pronto se sumaron giras por Latinoamérica y Estados Unidos. 

Pero además de su carrera como concertista, Carreño se distinguió como una destacada mezzosoprano, así como por ser una importante profesora de piano, consejera, y maestra de importantes artistas, siendo una de las primeras en adoptar las obras de uno de sus estudiantes, el compositor y pianista estadounidense Edward MacDowell, y también interpretando con frecuencia las obras de su contemporáneo, el compositor y pianista noruego Edvard Grieg. 

Con su amplio genio musical, Carreño compuso aproximadamente 75 obras para piano solo, voz y piano, coro y orquesta, y conjunto instrumental. 

Teresa Carreño señalaba que la cultura general de un artista era indispensable para la proyección y desarrollo de su arte. Por ello, insistía en la importancia de la observación de la naturaleza y del estudio de los seres humanos como creadores, así como del conocimiento de la arquitectura, de la narrativa y de la poesía.

Teresa Carreño - Serenade for String Orchestra

U.S. Marine Chamber Orchestra (4:30)

https://youtu.be/5aDaOaoaX5c?si=R1DEUOOqMd9IXldz

Teresa Carreño con frecuencia es calificada como la principal pianista de América Latina, y una de las pianistas más importantes del mundo de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

9.- Nadia Boulanger (1887 – 1979)

Nacida en una familia de renombrados músicos, Juliette Nadia Boulanger vivió a la sombra de su famosa hermana, Lili Boulanger, pero su propio talento musical finalmente brilló y se convirtió en maestra de algunas de las figuras musicales más conocidas del siglo XX, como Daniel Barenboim, John Eliot Gardiner, Philip Glass, Quincy Jones, Astor Piazzolla, y Aaron Copland.

A partir de los 7 años, Nadia comenzó a preparar sus exámenes de ingreso al Conservatorio, clases en las que fue acompañada por su hermana menor Lili. Nadia finalmente entró en el conservatorio a los 9 años.

En 1900, cuando Nadia tenía 13 años, su padre murió y el dinero se convirtió en un problema para la familia. Nadia siguió estudiando en el Conservatorio para convertirse en profesora y así contribuir al apoyo de su familia. Dejó el conservatorio en 1904, ganando un primer premio en armonía, y comenzó a enseñar. 

Aunque Nadia era una compositora entusiasta, y su obra - fuertemente influenciada por Debussy - fue alentada por Raoul Pugno y Gabriel Fauré, varios fracasos consecutivos en ganar los concursos musicales en los que participó hicieron que se centrara en su enseñanza, donde encontró éxito y satisfacción. 

En 1907 fue nombrada profesora de piano elemental y acompañamiento al piano en el recientemente creado Conservatoire Femina-Musica, y también fue nombrada asistente de Henri Dallier, profesor de armonía en el Conservatorio. 

En 1908, Nadia ganó el Segundo Gran Premio del concurso Prix de Rome por su cantata, La Sirène. Ese mismo año, Boulanger y Pugno colaboraron en la composición de un ciclo de canciones, Les Heures claires, que ganó suficientes elogios como para alentarlos en su colaboración.

En 1912, Nadia debutó como directora, dirigiendo la orquesta de la Société des Matinées Musicales. En 1913, su hermana Lili ganó el codiciado premio de composición del Prix de Rome, siendo la primera mujer en hacerlo. 

Durante la Primera Guerra Mundial, Nadia continuó enseñando y componiendo, pero no sin dificultades. Aunque el Conservatoire Femina-Musica había cerrado durante la guerra, se fundó una nueva escuela de música en París, la École normale de musique de Paris, y Nadia fue invitada a unirse.

En 1918, Lili murió, dejando un profundo sentido de pérdida en Nadia. Sin embargo, continuó enseñando como su principal fuente de ingresos, ahora en la Escuela de Música Francesa para Americanos, como profesora de armonía. Sin embargo, en 1924 dejó de componer por completo. Su amigo Gabriel Fauré consideró esto un error, pero Nadia fue inflexible, declarando: "Si hay una cosa de la que estoy segura, es de que escribí música inútil."

Tras la muerte de su madre en 1935, Nadia finalmente se sintió libre para asumir nuevas oportunidades de enseñanza al otro lado del Atlántico, en los Estados Unidos, donde encontró su mayor éxito.  

Nadia Boulanger fue la primera mujer en dirigir muchas orquestas importantes en los Estados Unidos y Europa, incluyendo la BBC Symphony, la Boston Symphony Orchestra, la Orquesta Hallé de Manchester, y la Philadelphia Orchestra. También dirigió varios estrenos mundiales, incluyendo obras de Copland y Stravinsky, y también actuó ocasionalmente como pianista y organista.

Sus composiciones incluyen trabajos vocales, de cámara y solos, orquestales y colaboraciones con Raoul Pugno.

Nadia Boulanger - Soir d'hiver (1915) (3:41)

https://youtu.be/ctt-H-NtBNk?si=d-XG8xdCRIWQ95Ph

Durante su vida, Nadia recibió numerosos honores, entre ellos: Caballero de la Légion d'honneur (1932), Miembro honorario extranjero de la American Academy of Arts and Sciences (1962), Medalla de Oro de la Académie des Beaux-Arts del Institut de France (1975), Gran oficial de la Legión de Honor (1977), Orden del Imperio Británico (1977), Orden de S. Carlos de Mónaco (1977). 

Pero algunos de los mejores honores vinieron de sus ex alumnos. Quincy Jones afirma que una vez le dijo: "Tu música nunca puede ser más ni menos de lo que eres como ser humano"

10.- Florence Price (1887-1953)

Florence Beatrice Price nació en una familia birracial en Little Rock, Arkansas. Este origen mestizo significaba que tenía que trabajar más duro que todos sus compañeros para alcanzar el éxito. 

Su madre era profesora de música, y comenzó a darle clases de piano y composición a Florence cuando todavía era una niña. Florence dio su primera interpretación pública de piano a la edad de 4 años, y para cuando tenía 11 años ya había publicado su primera pieza original. Más tarde, se graduó de la escuela secundaria como valedictorian a los 14 años, todo lo cual revela su extraordinario genio. 

En 1902, Florence continuó sus estudios musicales en el New England Conservatory y tomó clases particulares.

Debido a su raza mixta y los prejuicios de la época, siguió el consejo de su madre y pasó por mexicana en lugar de revelar su ascendencia de color, con el fin de ganar aceptación en el Conservatorio. Allí estudió piano y órgano, siendo la única estudiante en su clase que se graduó con una doble especialidad, y más tarde continuó sus estudios de composición con el director del Conservatorio, George Whitefield Chadwick

Después de su graduación en 1906, Florence continuó desarrollando sus composiciones y comenzó a ganar reconocimiento por sus piezas para piano y órgano.

En 1923, alcanzó la fama nacional cuando su Sinfonía en Mi menor ganó el prestigioso Concurso Wanamaker.

En 1933, la Orquesta Sinfónica de Chicago estrenó su Sinfonía No. 1, convirtiéndose así en la primera mujer compositora no blanca en tener su obra interpretada por una gran orquesta estadounidense.

Florence Price - Symphony No. 3 in C Minor (4:57)

https://youtu.be/jMKDIKai_pI?si=2SM0B_Sj0HN9Fp1H

Entre muchas otras obras destacadas, Florence Price escribió el arreglo de "My Soul’s Been Anchored in the Lord", cantada por la famosa contralto Marian Anderson en su actuación histórica en el Lincoln Memorial en 1939.

En sus composiciones, Price aplica distintas armonías, ritmos e instrumentos inspirados por todas las fuentes culturales que han otorgado a los Estados Unidos su sonido particular, describiendo su rica idiosincrasia musical, que trasciende la raza, el género o el credo. 

Además de obras orquestales a gran escala, Price fue también una prolífica compositora de canciones y otras piezas musicales. Sin embargo, a pesar del éxito de su obra, la mayoría de sus 300 composiciones aún no han sido publicadas y descubiertas por el público. 

11.- Laurie Anderson (1947)

Laura Phillips "Laurie" Anderson no es solo una músico y compositora de vanguardia, sino también una artista innovadora y cineasta, y su formación es tan ecléctica como su música.

Aunque comenzó sus estudios musicales en el violín a una edad temprana, su primer título universitario fue en Historia del Arte. Más tarde, obtuvo una maestría en escultura, pero después de su graduación comenzó a producir proyectos de performance que se centraban en el lenguaje, las nuevas tecnologías, el sonido y la imagen visual. 

Un camino que ha continuado, mezclando performance art, música pop y proyectos multimedia, adaptando siempre las últimas tecnologías en la búsqueda de la expresión artística. 

En 1981, su canción experimental "O Superman" alcanzó el puesto 2 en la lista de sencillos del Reino Unido, lo que la catapultó a una fama relativa y le proporcionó un éxito comercial poco común para una artista de vanguardia.

Un año más tarde, lanzó su álbum de estudio debut "Big Science", el cual desde entonces ha sido seguido por varias otras producciones, explorando y extendiendo los límites del sonido, la voz humana, las imágenes y las nuevas tecnologías.

Además de ser un virtuoso violinista, percusionista, tecladista y cantante, Laurie es también una de las pocas mujeres pioneras en la música electrónica, habiendo inventado o desarrollado muchos de los dispositivos musicales experimentales que utiliza en sus grabaciones y espectáculos artísticos. 

Por ejemplo, creó un violín con cinta que utiliza cinta magnética grabada en el arco en lugar de crin y una cabeza de cinta magnética en el puente, lo cual crea sonidos particulares.

Laurie Anderson’s Violin (7:13)

https://youtu.be/GkUIVVPNEOs?si=JIpfOHYMXdwGSyRb

En 1997, Laurie colaboró junto con Interval Research en el desarrollo de un "bastón parlante", un controlador MIDI de 1,8 m. que puede acceder a sonidos y replicarlos.

Además de su trabajo artístico, Anderson también ha participado en documentales, películas y videos como intérprete, presentadora, directora y/o productora.

Como músico, tiene una larga lista de colaboraciones con una amplia gama de músicos, tales como Jean-Michel Jarre, Nona Hendryx, Patti LaBelle, Lou Reed, Kronos Quartet, y muchos más.

A lo largo de su carrera, Laurie ha sido nominada para 6 premios Grammy, obteniendo uno, junto con muchos otros reconocimientos por sus excepcionales y únicos logros artísticos.

12.- Anne Dudley (1956)

Anne Jennifer Dudley es una aclamada compositora, arreglista, directora, productora y tecladista, y es muy posible que hayan escuchado su música -  más de una vez.

Formada en música clásica, obtuvo una maestría en música por el King’s College de Londres en 1978. Sin embargo, en 1983 se unió al grupo de synth-pop "The Art of Noise", que fue pionero en el uso de samplers y electrónica.

Algunos de sus éxitos incluyen "Beat Box" (1984), "Moments in Love" (1985), "Close (to the Edit)" (1984) y "Paranoimia" (1986), una pista inventiva que incluye un monólogo del personaje de I.A. Max Headroom. En 1988, el grupo tuvo un éxito del top-10 con su colaboración con Tom Jones, "Kiss".

Además de trabajar con The Art of Noise, Anne también comenzó a trabajar como músico de sesión, arreglista y más tarde como productora, lo que le permitió ampliar su experiencia musical. 

La versatilidad musical de Anne le ha permitido trabajar cómodamente tanto en los géneros clásicos como pop, siempre dándoles su marca distintiva, tales como los arreglos de cuerda y orquesta para el éxito de A-ha "Hunting High and Low", los cuales produjo. 

De hecho, su larga ista de colaboraciones incluye a artistas tales como Rod Stewart, Robbie Williams, Marc Almond, Seal, Debbie Harry, Frankie Goes to Hollywood, y muchos otros.

A finales de la década de 1980, Anne amplió su experiencia al comenzar a componer partituras musicales para cine y televisión. En 1998, ganó un Oscar a la mejor banda sonora para un musical o comedia original por "The Full Monty". 

Decenas de películas llevan su música, incluyendo, "Buster", "The Crying Game", "American History X", "Monkeybone" y "Tristan & Isolde". Algunas de sus composiciones para programas de televisión incluyen "Kavannagh QC", "The 10th Kingdom", "Poldark" y "The Velveteen Rabbit".

En 2001, Anne se convirtió en la primera mujer Compositora en la Asociación de la BBC Concert Orchestra. 

En 2012, se desempeñó como productora de música para la versión cinematográfica de "Les Misérables", una capacidad que incluía organizar y componer nueva música adicional para la película.

Pero aparte de componer para otros, Anne Dudley también se ha forjado una carrera como artista en solitario, lanzando varios álbumes. 

Anne Dudley - Prelude and Chaconne (4:41)

https://youtu.be/_k_8VLglZQE?si=buTCQuUyY266lhcR

Su música declara su fuerte base clásica, a menudo usando un fondo de orquestación clásica, pero sus armonías se mezclan generalmente con elementos modernos, lo que les otorgan un carácter particular. 

Para saber más sobre Anne Dudley, visiten su sitio oficial: https://www.annedudley.co.uk/

Para saber más

De compositores a cantantes, directores y músicos, ¡hay cientos de mujeres en la historia de la música! Si nuestra pequeña lista les ha inspirado y desean conocer más sobre otras mujeres músicos, visiten el sitio web de la Fundación Donne Women in Music, que además de trabajar para crear más oportunidades para las mujeres en la música, incluye una "gran lista" de más de 5000 mujeres en el mundo de la música: https://donne-uk.org/donne-foundation/

Fuentes: Wikipedia, BBC Music, Donne, Classicalguitarcorner

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