Conversando Con Eliot Dudik
Descubrir algo nuevo en lo ordinario es lo que hace arte de la fotografía - y en ello sobresale el destacado fotógrafo, artesano de libros, y profesor Eliot Dudik.
Armado con su cámara centenaria de gran formato, una licenciatura doble en Historia del Arte y Antropología, además de un Mágister en Fotografía, Eliot se embarca en largos viajes a através de los Estados Unidos como un moderno cazador, buscando imágenes que capturar y recolectar.
Pero sus fotografías capturan no sólo la gente, paisajes, y la fisicalidad de cada lugar que visita, sino también su espíritu, otorgando a cada imágen una cualidad especial que solo puede venir de alguien que ve, piensa y siente profundamente.
El conversar pausado de Eliot y sus modales tranquilos esconden una extraña profundidad de pensamiento y sabiduría para alguien de su edad. Una serenidad enraizada en una infancia vivida en una granja ovejera, y nutrida por un contínuo contacto directo con la naturaleza, donde aún hoy Eliot se siente más a gusto.
A pesar de su incipientes canas, Eliot sigue siendo un fotógrafo extraordinariamente joven para alguien de su trayectoria y experiencia profesional. Su currículum de logros es impresionante, y se lee como la lista de deseos de cualquier fotógrafo profesional: nueve libros publicados, fundador del programa de fotografía dentro del departamento de Arte a Historia del Arte de la Universidad de William y Mary, donde también enseña; obras publicadas por la Revista Smithsonian, el New York Times, la Revista Oxford American, y CNN, entre otros; fotografías incluidas en el Archivo de Artes Documentales de la Universidad Duke en Durham, y el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas; innumerables charlas y talleres, así como exhibiciones en solitario y en grupo a través de los Estados Unidos y en el extranjero, entre muchos otros premios y homenajes.
Una impresionante lista de logros para alguien que aún no ha cumplido 40 años. Pero a pesar de todos los honores, Eliot se mantiene modesto y accesible.
Haciendo una pause de su apretada agenda de actividades, Eliot ha accedido gentilmente a reunirse con A Curious Culturalist para hablar sobre su trabajo, su carrera en las artes y la academia, lo que lo inspira, las nuevas tecnologías, sus planes futuros, y lo que era, es, y continúa siendo su principal pasión: la fotografía.
Acompáñennos a descubrir más acerca de Eliot Dudik.
A Curious Culturalist - Eliot, ¿Qué te inspiró a convertirte en fotógrafo?
Eliot Dudik - Esa es una pregunta que aún hoy me hago. No creo que llegué a la fotografía de una forma única o grandiosa. Tuve un par de encuentros breves con la fotografía a mediados de mi adolescencia, y me gustó, pero no sabía por qué.
Las cosas realmente se encaminaron cuando compré mi primera cámara -creo que tenía 17-, y la llevaba a todas partes, y documentaba a mis amigos y todas las cosas que hacíamos juntos. Esa obsesión nunca ha cesado. No estoy seguro de por qué, pero creo que un número de factores influyen. Primero, las cosas que hacíamos entonces -senderismo, canoísmo, jugar frisbee, fogatas, y mucho vagabundeo -, me parecían que eran tan estimulantes. Cosas normales de adolescentes, pero que me fascinaban.
Yo crecí en una granja ovejera en en centro de Pensilvania, y aunque ahora la idea de una granja ovejera me parece fascinante, cuando estaba creciendo cualquier cosa fuera de una granja ovejera era fascinante. Creo que simplemente me estimulaba tener esas nuevas experiencias, aprender sobre la vida, las relaciones, la naturaleza, y la forma que encontré de balancear esa excitación fue a través de la fotografía. Me calmaba, me permitía experimentar ese momento en su totalidad dentro de mí, pero también tener ese momento para compartirlo con mis amigos.
También soy un coleccionista obsesivo. Colecciono libros y fotografías antiguas, entre otras cosas. Y creo que para mí, el acto de fotografiar se relaciona con mi obsesión se coleccionar cosas. Trato de coleccionar momentos, cosas que quiero guardar y pensar nuevamente en el futuro. Trato de trabajar a través de ideas complejas a través de exploraciones fotográficas a largo plazo, recolectando piezas en el camino.
ACC- Tú estudiaste tres carreras casi al mismo tiempo: una licenciatura en historia del Arte, una licenciatura en Antropología, y más tarde una Maestría en Fotografía. ¿Cómo se interconectaron para tí estos diferentes campos, y cómo han influenciado tu fotografía?
ED -Yo entré a la universidad obsesionado con la fotografía, y tan pronto pude, me inscribí en mi pirmer curso de fotografía, laboratorio fotográfico. Mi obsesión se acrecentó aún más con (los cursos de) cine y laboratorio: construí mi propio cuarto oscuro en el baño de mi departamento, justo después de ese curso. Estaba más apasionado con aprender acerca de la fotografía que ninguna otra cosa en ese momento, pero también me preocupaba que quizás estaba siendo jóven e iluso en pensar que realmente podría seguir una carrera en algo que amaba. Así es que en vez de seguir mi camino inicial hacia una licenciatura en Arte, elegí una licenciatura doble en dos campos mucho más lucrativos: historia del Arte y Antropología.
Por supuesto, estoy bromeando. No estaba pensando para nada en carreras que dieran estabilidad financiera, sino tratando de pensar cómo crear una carrera sostenible en fotografía, y pensé que tal vez un fundamento en Historia del Arte y Antropología realzaría mi fotografía. Fue un acto de fe para alguien que suele afincarse en lo que está en frente suyo, pero sin duda que ha dado frutos. Me alegro tanto de haber tomado ese paso, porque me permitió ampliar mi perspectiva sobre el arte y nuestra experiencia humana, lo cual ha tenido un impacto en a forma en que trabajaba entonces y continúo trabajando en fotografía.
ACC- También tuviste otras experiencias que redondearon tu aprendizaje académico...
ED- Además de estudiar fotografía, historia del arte, y antropología, trabajé en una tienda fotográfica por un tiempo, en una galería fotográfica por un tiempo más largo, y por unos cinco años trabajé en una tienda de cigarros y bar de martinins. Aprendí tanto, sobre todo en la galería y la tienda de cigarros, más allá de mis estudios en el aula.
En la galería tuve la oportunidad de enseñarme a mí mismo cómo contruir mis propios marcos, vender mis propias fotografías, y tuve acceso a todo el quipo digital de última generación que estaba saliendo. La tienda de cigarros me ayudó a conocer todo tipo de gente, algunas de las cuales jugaron diversos roles en la creación de mis fotografías durante ese tiempo, en una forma u otra. Conseguí el trabajo en la galería al conocer al dueño, justo antes de que abriera el negocio, en la tienda de cigarros. Esas cosas me soportaron financieramente durante la universidad, y por un par de años más tarde, y suplementaron mi educación en formas de mucho impacto.
Después de un par de años fuera de la universidad, y aunque sentía que lo estaba haciendo bastante bien construyendo una carrera como fotógrafo, decidí entrar a un Mágister en Fotografía. El impacto ahí también fue muy grande, y forjó el camino para lo que he estado haciendo por la última década hasta ahora.
ACC- Cada una de tus fotografías cuenta una historia; algunas dan la sensación de ser tesoros hallados por accidente, mientras que otras parecen ser más arregladas. ¿Planeas cada uno de tus tomas de antemano? ¿Cuál es tu proceso?
ED- Sí, son mucho más tesoros hallados por accidente que planificadas. Una de las cosas que aprendí en el Mágister es que no soy muy bueno haciendo fotografías que son planeadas y luego ejecutadas. En ese entonces hice un proyecto que incluía exposiciones de tiempo e imágenes espectrales de personas. Hay una que recuerdo en particular de una mujer espectral en un vestido blanco bajando una escalera espiral. Era tan aburrida como la imaginas. No había nada nuevo en ella. Todos la habíamos visto antes. No estaba aprendiendo o descubriendo nada nuevo al hacer esta foto.
Este fue definitivamente uno de los trabajos más aburridos que he hecho. Pero al haberlo hecho gané más seguridad en mi fotografía, que no estaba tratando de ser más que lo que era: fotografías que simplemente revelan el mundo a nuestro alrededor. Soy un convencido de que la realidad es más extraña que la ficción. Y así, todos los trabajos que he hecho desde entonces se han enfocado particularmente en viajar, buscar, y a veces en descubrir.
Por la naturaleza del equipo fotográfico que uso -casi exclusivamente cámaras de gran formato-, muchas de mis fotografías, especialmente las que incluyen personas, son montadas porque tiene que serlo. La mayor parte del trabajo realizado con cámaras de gran formato requieren la colaboración del sujeto, y por esa razón debe ocurrir una cierta cantidad de montaje. Pero la gente con la que me he encontrado y a veces fotografiado, sus fotografías no son planeadas con antelación; son hechas en colaboración con ellos, quienes están tan sorprendidos y extrañados de conocerme como yo lo estoy de conocerlos.
ACC- El paisaje juega un rol importante en tu fotografía, con frecuencia representado como un personaje en sí mismo. ¿Te describirías como un 'fotógrafo de paisajes'?
ED- A veces lo hago. Depende de con quién esté conversando. La fotografía de paisajes definitivamente juega un rol significante en mi trabajo. Casi cada proyecto que lanzo comienza con el paisaje. Creo que es una debilidad personal, que trato de reconocer y sobre el cual eventualmente trato de construir. Dado que pasé tanto tiempo en las afueras en la granja de mi familia, así como también de camping, y haciendo y senderismo y otras cosas, creo que mi lenguaje visual es más fuerte en el paisaje. En la naturaleza siento profundamente, soy capaz de entender cómo se comunica conmigo, y sé cómo comunicarme con ella.
Me siento tranquillo cuando estoy en la naturaleza, y trabajando solo con mis cámaras. Hay calma dentro de mí, y creo que eso se traduce a las fotografías. Esto está muy bien, pero comprendo el riesgo de caer en la rutina y dejar de crecer si me fio demasiado de lo que ya sé, por lo que estoy en la constante búsqueda de lugares que me digan algo diferente, y tratando de conectarme con la cultura y la historia que está atada a esos lugares.
ACC- Muchas de tus fotografías de tu proyecto "Broken Land", pero en especial 'Harpers Ferry, West Virginia', nos recuerdan a pinturas del artista Norteamericano Joseph H. Hidley, lo cual demuestra tu sensibilidad para capturar imágenes fieles de Americana. ¿Qué fotógrafos y artistas te inspiran?
ED- Esa es siempre una pregunta imposible de responder para mí. Siempre estoy conociendo a nuevos artistas, visitando exhibiciones, viendo libros, y consumiendo todo lo que internet tiene para ofrecer. La lista de los artistas que me inspiran llenaría un catálogo. Y creo que eso es importante, tener un conocimiento acabado de las prácticas e ideas que han surgido antes, comprender las conversaciones que ya se han tenido para poder comprender las conversaciones que ocurren hoy en día. El concepto de inspiración es tan complejo y variado, que nunca sé por dónde comenzar.
Podría decir que hoy estoy inspirado por Barbara Bosworth, Andrea Modica, Justine Kurland, Judith Joy Ross, Susan Lipper, y Sharon Rupp. Todos ellos son fotógrafos cuyos libros ví esta mañana. Pero además de eso, con la invasión de las redes sociales a nuestra cultura, he visto al menos cien fotos de amigos en Instagram mientras tomaba mi café en la mañana, que me son inspiradoras. Qué tan bueno es ese constante consumo de imagenes, no lo sé. Me imagino que no es muy bueno, como todo en exceso extremo, y es un problema a resolver para nuestra sociedad moderna, aprender a apagarlo de vez en cuando. Todavía estoy trabajando en eso.
ACC- Creo que todos nos sentimos igual. Pasando a otro punto, te has definido como 'obsesivo' en cuanto a la fotografía. ¿Crees que, en general, cierto nivel de obsesión es necesario para alcanzar el éxito?
ED- Sí, creo que es importante. Creo que se requiere cierto nivel de curiosidad obsesiva para escarbar bajo la superficie de las cosas, para descubrir, y comunicar algo que todavía no es comprendido. Creo que, como seres humanos, nos atraen las obsesiones de otros, sin importar qué tan absurdas sean.
Yo trato de comunicarle esto a mis estudiantes, que en realidad no importa qué es lo que exploren con sus fotografías, siempre y cuando se involucren de manera personal, se obsesionen de manera personal con eso. Esa condición obsesiva es parte de la naturaleza humana, creo, y tendemos a ser curiosos acerca de lo que complica a nuestros congéneres, porque más frecuentemente que no, hay superposición en la experiencia humana.
ACC- ¿De forma que, en cierto modo, un cierto nivel de obsesión es necesario para la creación artística?
ED- Contrario a la creencia popular, crear arte es un trabajo difícil. Con frecuencia es arduo y tedioso. Requiere disciplina mental y también emocional, y trabajo físico. Si un artista o estudiante no está completamente dedicado a un tema, no hay recompensa para todo ese esfuerzo, el trabajo se vuelve una tortura y la disciplina se pierde.
Esto ocurre cuando los artistas y estudiantes tratan de crear las obras que creen que los otros quieren ver. En cambio, un artista necesita buscar profundamente dentro de sí; otros se verán a sí mismos dentro de esas reflexiones.
ACC- Un consejo muy sabio. Tus proyectos fotográficos con frecuencia van a compañados de un vaje, en el cual, como en cualquiera buena aventura, debes ir con los ojos y corazón bien abiertos para capturar el espíritu de los lugares y las historias a tu alrededor. ¿Qué has descubierto en esos viajes?
ED- He descubierto muchísimo, y seguramente más de lo que soy consciente. He aprendido que somos más parecidos los unos a los otros antes que diferentes. He aprendido que nuestra existencia se balancea muy precariamente. He aprendido que algunos de nosotros somos muy, muy privilegiados, y otros nacieron en circunstancias enteramente devastadoras e infortunadas, que son casi imposibles de vencer. He aprendido que con frecuencia estoy equivocado. He aprendido que la gente es mayormente amable y generosa.
ACC- Uno de tus proyectos más interesantes, "Still Lives", se enfoca en recreacionistas de la Guerra Civil Norteamericana, pero también presenta un diálogo múltiple de tópicos: la vida y la muerte, remembranza histórica, y la forma en que abordamos estos temas. ¿Por qué escogiste este evento histórico en particular?
ED- Digamos que se me presentó por sí solo. Estaba trabajando en Broken Land, y pensé que sería complicado para el público imaginar el carnicería que ocurrió una vez, y la división que continúa golpeando a nuestra puerta cada vez más fuerte, con los tranquilos paisajes que presento en esa serie.
Decidí ir a una recreación de la Guerra Civil Americana con mi cámara centenaria de 8x20 pulgadas, para ver si podía crear un paisaje conteniendo actos de guerra, el cual probablemente podría convertirse en una plataforma para el resto del trabajo. Y, de hecho, la hice. Esa imágen, Aiken, South Carolina, está en mi página web.
No tenía intenciones de interactuar con la comunidad de recreacionistas mientras estaba allí. Sin embargo, empecé a hablar con un doctor afro americano, quien hacía tiempo fungía de recreacionista de la Guerra Civil, y empecé a hacerle preguntas del tipo: ¿Cómo sabe a dónde marchar, cuándo disparar, cuándo correr, y cuándo morir? Y él de inmediato contestó la última pregunta con un: “Oh, yo ya no muero.” Esa declaración se me quedó en la cabeza. La idea de tener control sobre la propia muerte, representándola una y otra vez, o evitándola por completo, me pareció completamente fascinante. Y Still Lives es como, al final, exploré esas ideas.
ACC- Tus obras generalmente son exhibidas en gran formato, y trabajas con uno de los negativos más grandes disponibles. Además de que esto permite al público a percibir detalles minúsculos, 'caminar' dentro de tus fotografías, y ser absorbidos por ellas, ¿Hay alguna otra razón por la cual prefieres los grandes formatos?
ED- Eso es buena parte de ello. Cuando estoy a la búsqueda de fotografías, busco cosas que me impresionen, que me hagan detenerme a considerarlas por más tiempo. Trato de alcanzar una reacción similar en quienes ven mi trabajo. Puede ser cualquier cosa sobre la imagen que presento que haga que alguien se detenga a pensarla, y una de esas cosas puede ser el nivel de detalle que se les presenta, ver un tema de una forma nueva. Eso es a veces un factor. Pero también, para mí, es el proceso de trabajar con cámaras de gran formato lo que me ayuda a lograr la imagen en primer lugar, más allá del tamaño y el detalle en la impresión.
El proceso me permite destilar mis pensamientos y mi visión a una sola imágen, a ser preciso en mis composiciones, y con todo lo que involucra hacer una fotografía. Encuentro que me dá la mayor claridad, no sólo en detalles y nitidez, sino mayor claridad de pensamiento y expresión mientras estoy trabajando. No hay cómo dejar de lado ningún aspecto de lo que estoy haciendo, requiere toda mi atención, requiere un largo programa de decisiones inevitables. Y dentro de esos ajustados parámetros, trato de encontrar oportunidades para la casualidad.
Estas son las mismas razones por las que hago que mis estudiantes de primer año de fotografía trabajen exclusivamente con cámaras con visor.
ACC- Es un rigor que sin duda vale la pena, y los resultados son evidentes. Pasando a otro tema, en tus palabras iniciales para el proyecto “Broken Land”, dices que "Mis metas son crear paisajes que vuelvan a la vida con los actos de guerra, y causen, al menos, contemplación de la naturaleza de ser Norteamericano, para permitir comprensión, comunicación, y cooperación entre ciudadanos." ¿Cómo crees que estas metas pueden lograrse?
ED- En el momento en que estaba haciendo este trabajo, mi propósito era una conversación, para siquiera reconocer la división que existía y que se estaba poniendo peor, para verla, admitirla, y tal vez entonces algo de podría hacer el respecto. Pero en la época en que estaba haciendo éste trabajo nunca escuché a nadie hablar acerca de la creciente y peligrosa división política y cultural en los Estados Unidos, sin duda no en los medios masivos. Entonces, Donald Trump salió electo, y ahora es común escuchar tales conversaciones.
Pero recuerdo claramente el día, mucho después de haber terminado de hacer las fotografías para Broken Land, que por primera vez escuché a un locutor de la NPR [Radio Pública Nacional] decir "los Estados Unidos no han estado tan divididos desde la Guerra Civil." Ese fue la preocupación de Broken Land, y no estaba seguro si yo estaba siendo alarmista, o en verdad había una amenaza verdadera y extrema a nuestra nación.
En cuanto a qué hacer al respecto, todavía no lo sé. Los algoritmos de las redes sociales y los medios masivos de comunicación son definitivamente dos grandes problemas azuzando los fuegos. Al menos la mayor parte de la gente, creo, están conscientes del terrible y delicado estado en el que estamos hoy en día.
ACC- Y el arte con frecuencia juega un rol importante en despertar la conciencia de la gente acerca del mundo en el que vivimos. ¿Qué esperas que la gente se lleve consigo después de ver tu trabajo?
ED- Trato de no controlarlo mucho. Realmente no me importa. Me importa que se lleven algo, quiero emocionarlos de alguna forma, pero trato de no ser muy impositivo con lo que eso deba ser. Quiero que saquen sus propias conclusiones, mi propósito no es decirles qué pensar.
Yo uso mi trabajo como una forma de explorar cosas que me interesan, que son importantes para mi. Expreso esas ideas tan simplemente como sea posible en mis manifiestos de proyectos para que la gente considere, si lo desean, pero estoy más interesado en que conecte sus propios recuerdos e historias, y usar mis fotografías para ayudarlos a entender mejor sus propias experiencias. Si llegamos al mismo lugar, fantástico, pero si mis fotografías los llevan a otro lugar completamente diferente, también está bien.
Creo que la gente será más capaz de utilizar lo que aprenden de una fotografía si llegan a su propia conclusión, que si sienten que los están sermoneando y les están diciendo qué pensar.
ACC- Sin duda alguna, y además crea una experiencia más rica para el público. Pero además de exhibiciones de fotografía, también creas libros de arte en ediciones limitadas. En la era de las tablets y los medios digitales, ¿por qué crees que el libro físico y artesanal es relevante?
ED- Es sólo otra experiencia, una que yo encuentro un poco más íntima y basada en materialidad. Es increíble, y también un poco horrible, lo que los medios digitales han hecho para nuestra experiencia colectiva. Yo la uso a diario, pero también me atrae lo tangible. Disfruto trabajar con mis manos, experimentar los materiales de mi trabajo, y sorprenderme con lo que es posible.
Los libros hechos a mano de edición limitada también otorgan la oportunidad de trabajar una idea en forma de libro, sin la producción masiva de miles de copias. Aunque sacar un libro al mundo en el rango de miles de copias tiene sus beneficios, también trae limitaciones en términos de diseño, materiales y estructura. Hacer libros por mí mismo me permite perderme en el proceso, tener toda la responsabilidad, y emerger después de largos días en el estudio con algo real.
ACC- Además, en colaboración con el fotógrafo y ex editor de fotografía de la casa blanca Jared Ragland, también has producido varios libros en Proyectos de Un Día, los cuales son más experimentales y explorativos alrededor de un tema. ¿Puedes contarnoas más acerca de este proyecto? ¿Cómo y por qué nació?
ED- Nació de no tener nada más que hacer. Bromeo. Ni Jared ni yo necesitabamos trabajo adicional para ser considerados sobre trabajados. Nació de curiosidad y obsesión. Jared y yo estabamos cenando con otros en la conferencia de la Sociedad para la Educación Fotográfica, y estabamos discutiendo el hecho de que ambos iríamos juntos a Nueva Orleans para la venidera convención PhotoNola. Conversamos sobre hallar un día en que pudieramos ir a Nueva Orleans a tomar fotos. Entre bocados y bebidas, esa idea inicial e inocente pronto se convirtió en: ir juntos a tomar fotos, hacer una pequeña serie con ellas, hacer un libro con esa serie, hacer 50 libros para esa serie, y finalmente haciéndolo todo en 24 horas en nuestra habitación de hotel convertida en un estudio de libros. Y así lo hicimos.
ACC- Suena que fue una especie de proyecto tipo Big Bang...
ED- Fue experimental y fue divertido, mayormente. Se suponía que fuera ambos. La intención era que fuese algo nuevo para ambos, algo tal vez menos significante que los proyectos más grandes y de largo aliento a los que ambos estabamos acostumbrados. Mayormente lo hicimos para ver si podíamos hacerlo. Fue una locura, pero lo hicimos. Y al día siguiente nos sentamos en un panel del Indie Photobook Publishing en el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, con 50 libros en la mano. No tengo idea de qué se dijo en el panel, pero estuvimos allí. Desde entonces hemos hecho otros dos Proyectos de Un Día. Todavía estamos recuperándonos del último proyecto que completamos en el 2018.
ACC- A lo largo de las dos décadas pasadas, las tecnologías emergentes han cambiado la forma en que producimos y vemos arte. Ya nos hablabas de cómo le pides a tus estudiantes de primer año traajar sólo con cámaras de visor. En el caso de la fotografía, pasaste de usar químicos y todo el proceso físico de crear una imagen, a uno puramente digital. ¿Cómo crees que este cambio en el proceso ha modificado la fotografía? ¿Y cuál crees que es el rol de las nuevas tecnologías, particularmente Photoshop y las redes sociales, en la fotografía?
ED- Bueno, todavía uso procesos físicos y químicos en mi trabajo. Supongo que nunca dejaré de usarlos. También uso tecnologías digitales. Estoy más interesado en cómo las dos se combinan.
La fotografía digital ma hecho que la fotografía sea accesible a casi todos. Ha hecho que la fotografía sea fácil e instantánea, y por ende tenermos alrededor de 1,5 trillones de fotografías producidas cada año. Aunque de manera individual estas imágenes son relativamente insignificantes, como grupos de imágenes se convierten en valiosos bancos de datos.
Photoshop ha estado a nuestro alrededor desde 1987, y aunque tengo crecientes escrúpulos con la corporción Adobe, photoshop es sólo una herramienta. Puede ser una herramienta muy poderosa, y algunos han escogido usarla en demasía, mientras otros la usan para hacer ajustes menores, como los que uno podría hacer en el cuarto oscuro. El uso de Photoshop es tan variado que es definir definir su rol dentro de la fotografía contemporánea, más allá de decir que es una herramienta flexible y poderosa.
Estoy más preocupado con las redes sociales. No por su impacto en el arte, creo que ha sido mayormente para bien, al abrir nuevos derroteros para la expresión creativa. Pero el poder que tienen aquellos que controlan y manejan estas compañías me parece increíblemente peligroso. El tiempo que paso en las redes sociales hoy en día siempre se siente desagradable y oscuro. Mientras más aprendemos sobre cómo operan éstas plataformas, se vuelve más claro cuán perjudicial es para nuestra salud y nuestra comunidad. Cómo se domestica a esta enorme máquina, aún está por verse, pero espero que se ponga algún tipo de regulación dentro de poco.
La educación visual y la educación de redes sociales definitivamente necesitan formar parte de nuestro sistema educativo, particularmente para los más jóvenes.
ACC- Totalmente de acuerdo. Y tú sabes de educación, porque además de ser fotógrafo, también eres profesor en la Universidad de William y Mary, para la cual fundaste el programa de fotografía de su departamento de Arte e Historia del Arte. Antes de eso, también fuiste profesor de fotografía en la Universidad de Carolina del Sur. ¿Qué te llevó a la enseñanza y qué te agrada de enseñar?
ED- Fue un interesante vuelco de eventos, porque no planeaba dedicarme a la enseñanza mientras estaba en la Escuela de Graduados. Fuí a la Escuela de Graduados para ser un mejor artista, mientras que la mayoría de mis compañeros de clase estaban allí para ser profesores. No pensaba que enseñar fuera para mí proque prefiero ser tranquilo. Pero después de una cena fortuita mientras estaba en la ciudad para la apertura de una exhibición, una invitación como artista invitado, y luego una invitación a enseñar, comencé mi carrera como profesor en la Universidad de Carolina del Sur.
Recuerdo prepararme para mi primera clase y saber que debería estar sientiendo terror, pero por alguna razón no lo sentía. Fue muy extraño pararme detrás del escritorio de profesor por vez primera. Todos creían que yo era uno de los estudiantes - a veces todavía lo creen, pero se está volviendo menos común porque me están saliendo las primeras canas.
En verdad me encanta enseñar fotografía. Me encanta ver a los estudiantes tan entusiasmados con el medio como yo todavía lo estoy. Me encanta verlos descubrir algo nuevo de ellos mismos a través de su trabajo. Y mis estudiantes con frecuencia también me sorprenden, y yo aprendo con ellos. Es algo nuevo cada día y cada semestre. Lo que es relevante en el mundo cambia constantemente, y por ello los intereses de los estudiantes y sus subsecuentes proyectos están evolucionando constantemente.
ACC- ¿Qué consejo le darías a los nuevos fotógrafos que están empezando en esta profesión?
ED- Todo lo que se necesita para ser bueno en cualquier cosa es tiempo, paciencia, y persistencia. Y difícilmente serás bueno en nada sin esas cosas. Si quieres mejorar en fotografía, tienes que poner el tiempo, trabajar, investigar, y en realidad no hay forma en que no mejores. Si quieres vivir de la fotografía, tienes que dedicarle diez veces más de tiempo. Es muy desafiante y competitivo, pero creo que cualquiera puede tener éxito en la fotografía si realmente estan apasionados por ella.
ACC- ¿Planes futuros?
ED- Estoy seguro que habrán planes futuros, dado que parecen pegárseme como papel matamoscas. Estoy trabajando en varios proyectos que me llevarán a futuro, me imagino. Aún tengo algo de trabajo que quisiera hacer para mi serie Paradise Road, la cual está en mi página web. Por ejemplo, quisiera pasar más tiempo a través del noreste de los Estados Unidos para esa serie. Sin embargo, por los últimos siete años he pasado cada momento fuera del aula de clases trabajando en otro proyecto en la costa de Maine en invierno, y he estado dando talleres de fotografía en Maine en el verano. También estoy trabajando con un observatorio en Washington DC, para crean un archivo digital de su colección de fotografías históricas.
ACC- ¡Sin duda suficientes proyectos para mantener a cualquiera ocupado por bastante tiempo! Gracias, Eliot, por darnos tan generoso trozo de tu tiempo, y por compartir tu vasta experiencia con nosotros. Te deseamos mucho éxito en todos tus trabajos, y estaremos pendientes de tus próximos proyectos.
Para Saber Más
Para ver más de los trabajos de Eliot, conocer más acerca de sus proyectos, y adquirir sus fotografías, visita su página web (sólo en inglés): www.eliotdudik.com
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Todas las imágenes ©Eliot Dudik
Todas las imágenes usadas por cortesía de Eliot Dudik
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