Conversando con Sandy Strallen

 

Formar parte del elenco de un musical exitoso en el West End o Broadway es probablemente el sueño de todo artista de la escena - un sueño que Sandy Strallen ha visto cumplido no una o dos veces, sino cinco veces durante su larga carrera, con roles en algunos de los musicales más legendarios en la historia del teatro, tales como “Chess”, “Song&Dance”, “Cats”, “Aspects of Love” y “Sunset Boulevard”.

Bailarín, actor y cantante (“amenaza triple”, en jerga teatral), Sandy expandió sus talentos más allá del escenario, apareciendo en algunos de los videos musicales más exitosos de los años 80, y en películas enormemente exitosas, tales como “Les Unes et les Autres”, “Mamma Mia!: Aquí Vamos De Nuevo”, y “La Bella y la Bestia”. 

Además, Sandy ha ganado reconocimiento como coreógrafo, instructor de danza, director creativo, productor, y cineasta, haciéndose una carrera que hoy en día se expande por cinco décadas en una industria en la que la inconsistencia es la norma.

Desafiando toda expectativa que uno pudiera albergar de alguien con semejante currículum, Sandy es notablemente accesible, carismático, divertido y de fácil conversación, evidenciando una vasta cultura, curiosidad intelectual, interminable creatividad, y espíritu emprendedor.

Acompáñennos en una cautivante conversación con Sandy Strallen acerca de trabajar con algunos de los más grandes nombres en la escena teatral de Londres, la importancia de las artes en la sociedad, la no-fórmula para el éxito, las habilidades que se necesitan para ser productor, y los emocionantes proyectos que guarda el futuro.

A Curious Culturalist - Muchas gracias por aceptar hablar con nosotros, Sandy. Es un honor tener a alguien de tu experiencia y estatura respondiendo nuestras preguntas y compartiendo tu vasta experiencia. Y sin más rodeos, permíteme empezar por preguntarte, ¿Qué edad tenías cuando empezaste a bailar y cuándo comenzaste a tomar clases de danza?

Sandy Strallen - Conocí a la madre de un gran amigo mío del liceo quien era directora artística de una de las principales escuelas de danza en el Reino Unido. Después de un año de clases elementales como un estudiante de danza muy tardío (mi primera clase fue a los 18 años), ella me consiguió una beca de estudios en la Academia de Danza de Noreen Bush en East Grinstead por dos años, la cual hice entre pequeños trabajos como bailarín profesional en proyectos de danza contemporánea.

ACC – Esta es una escuela de artes escénicas. Para quienes no estan familiarizados con este sistema, ¿puedes describir cómo fue?

SS - Fue muy inusual porque, como el único hombre en una escuela de sólo bailarinas jóvenes, mi presencia en la academia era limitada. Me permitían estar en el campus sólo desde las 8.30 de la mañana hasta las 5.00 de la tarde, y sólo en días de semana.

El programa de estudios se arregló para que pudiera recibir clases de ballet para principiante y de nivel intermedio en las mañanas, con clases de Tap, y/o clases de Jazz y danza contemporánea Martha Graham en las tardes. Por supuesto, yo había terminado mi instrucción académica a los 17, así es que pude concentrarme sólo en las clases vocacionales, lo cual fue muy ventajoso. A las 5.30 de la tarde tomaba un tren de regreso a Londres, o manejaba, y trabajaba en la noche en un show de cabaret.

ACC - ¡Una rutina demoledora! ¿Cuándo y cómo decidiste convertirte en bailarín profesional?

SS - Al recibir la beca decidí olvidarme de ir a la universidad y concentrarme solo en la preparación como bailiarín. Antes de eso, había estado tomando clases liberales de amateur en mi año sabático antes de entrar a la universidad para estudiar Política, Filosofía y Economía. 

ACC -Tú bailaste en el West End en algunas de las producciones musicales más exitosas de Andrew Lloyd Webber -tales como “Cats”, “Song & Dance”, “Aspects of Love”, “Sunset Boulevard” - y también fuiste capitán de bailarines y director residente en ellas. ¿Puedes contarnos más de éstas experiencias? 

SS - La experiencia fue absolutamente maravillosa, particularmente dado que en “Cats”, “Aspects of Love” y “Sunset Boulevard” tuve el privilegio de ser dirigido por Trevor Nunn, el famoso y fantástico director Shakespeariano, y de trabajar con Bob Avian ( “A Chorus Line”, “Chess”), Anthony Van Laast ( “Song and Dance”, “Mamma Mia”, “Tina”, etc.), Gillian Lynne ( “Phantom of the Opera”, “Cats”, etc.). 

Ser capitán de bailarines para cualquiera de los coreógrafos mencionados requería estar con ellos todo el tiempo durante los castings y los ensayos, anotando todo el trabajo, y haciendo una “Biblia” conteniendo y detallando cada una de las diferentes marcas coreográficas y de escena que cada miembro del reparto hacía. Una vez que el show estaba en producción, el capitán de bailarines era completemente responsable de “armar” el show cada noche, lo cual significaba estar presente para ensayar a los remplazantes, swings y sustitutos, y particularmente tener la Biblia a mano en todo momento en caso de que un remplazante o swing fuese llamado con poca antelación, para que pudieran estudiar las marcas en detalles y, por ejemplo, buscar a los miembros de reparto con los que interactuaba para que tuvieran el detalle de cómo trabajar, y si habían consideraciones especiales a tomar en cuenta... Todas cosas que no habrían sido obvias para la gerencia, debido a la discresión y las estructura de apoyo de colegas que ocurren en todos los grupos de teatro. 

El miembro del reparto responsable le haría saber al capitán de bailarines de manera confidencial sobre tales “arreglos” y consideraciones especiales, y a su vez esto sería comunicado discretamente a cualquier swing o remplazante que tuvieran que salir a escena, para que supieran. Ensayarías con ellos las marcas que les correspondía y, de ser necesario, llamarías a otros miembros del reparto para que ensayaran con ellos.

Como director residente, uno era responsable de hacer las audiciones y llamados a nuevo reparto, y de dar aviso a la gerencia de la compañía creativa acerca de quiénes estaban pensando irse, cuál sería la mejor manera de manejar la matriz de reparto, y si existían conflictos de personalidad. También, en asociación con el capitán de bailarines, sentarse una o dos veces por semana para repasar el show y tomar notas de reparto para entregar a los miembros de la compañía, de manera de mantener el show funcionando de manera óptima. 

La responsabilidad (aunque no declarada) de gerenciar y ser efectivamente un asistente de recursos humanos y consultor en manejo de conflictos, en asociación con los gerentes de la compañía, también era un rol no declarado, y en un show en cartelera por largo tiempo con personalidades enormes, todos encerrados en un edificio pequeño por largos períodos de tiempo, era un rol importante y ocasionalmente difícil. 

ACC - Dos roles extremadamente exigentes y de gran responsabilidad, especialmente cuando uno es tan jóven. Pero, ¡qué privilegio haber trabajado con tantos gigantes de las artes escénicas! ¿Qué dirías que es lo principal que aprendiste de ellos?

SS - Sobre todo, disfrutaba sus métodos de ser respetuosos, gentiles y enfocados hacia sus compañeros creativos, y de resolver las dificultades creativas con buen ánimo y paciencia. La clave para liderar en las artes es sentirse cómodo con la incertidumbre y no necesariamente saber todas las respuestas. 

Los creadores más interesantes parecen ser aquellos que llegan a cada ensayo bien preparados, pero que tienen la suficiente confianza en sí mismos, confianza en que inspirarán a aquellos a su alrededor con los dones de improvisación y energía creativa cuando están en la sala. Son totalmente felices de tirar por la borda hasta tres semanas de arduo trabajo de hasta 40 personas fuertemente comprometidas, sólo para comenzar desde cero o cambiar de dirección en algo que había tomado impulso pero no es “correcto”, sin vergüenza de estar ‘equivocado’.

Sandy Strallen y Cherida Langford como Admetus y Victoria en “Cats”

(Foto:Michael Le Poer-Trench)

Tener excelentes habilidades de manejo del tiempo es particularmente importante en el mundo casi-ilógico de hacer significado de lo que es, en esencia, puro aire. Demasiados directores pueden volverse tan envueltos en su proyecto que olvidan que su propio compromiso personal en el proyecto siempre será mayor que el de sus colegas, para quienes el proyecto es principalmente solo un trabajo.

Como tal, la capacidad de se empatético con todos en la sala, y recordar que las preocupaciones diarias del reparto y equipo de trabajo sólo están detenidos por una parte acordada de su igualmente-precioso tiempo. Olvidar esto y dejar que el tiempo corra -o se pase de largo- ocurre demasiado frecuentemente, y fundamentalmente erosiona la confianza que los colegas creativos otorgarán a un director o coreógrafo, o a cualquier otro rol creativo importante.

Este proceso de erosión es un proceso subliminal, el cual la mayoría de los más grandes líderes del teatro tienen la capacidad de evitar al manejar el estrés y controlar la fuga de cortisol en la sala. No hay olor más penetrante y corrosivo que el olor del miedo, y aquellos con fortaleza mental y autodisciplina para controlar sus mecanismos de temor, fuga o bloqueo serán los líderes, directores, y facilitadores creativos con los que todos quieren trabajar.

En la olla a presión de los shows teatrales de alto presupuesto, he encontrado que los mejores creativos cumplen con las siguientes características claves: amabilidad y respeto incesante por tu equipo, en las buenas y en las malas. Apertura al cambio, pero con ideas conceptuales claras y la habilidad de compartirlas de manera concisa con tus colegas creativos a todo nivel. Tener buen manejo del tiempo e importantes habilidades para manejar a equipos, como ser el primero en decir “OK, receso”, “Feliz cumpleaños”, “lamento que tu equipo haya perdido” y todas las mil y una cosas que nos hacen a todos sentir conectados.

Una ausencia de la necesidad egocéntrica de demostrar que eres la persona más inteligente en la sala. La habilidad de no ser competitivo y sentirte auténticamente no amenazado, y el verdadero deseo de emplear a gente más inteligente que tú, y otorgar a todos los colaboradores el espacio para que aporten lo mejor de sí. 

Nunca diría que ninguno de los líderes creativos con los que he trabajado carecen de falencias humanas -algunos tienen más que la mayoría- , pero como una síntesis de sus habilidades interpersonales y creativas esenciales, creo que cubre la mayoría en términos de sus cualidades más admirables. 

ACC -Actuar en musicales cada noche y salir en giras con éstos shows puede ser agotador, sin mencionar desgastante. ¿Qué hacías para evitar lesiones durante las presentaciones?

SS - No tener lesiones era casi imposible, particularmente en “Song & Dance”, “Chess”, y “Cats”, los cuales eran muy demandantes con el cuerpo debido a las exigencias coreográficas de ocho shows a la semana, lo cual otras compañías nunca inflingen a sus bailarines. De manera creciente, las gerencias se dieron cuenta de la importancia de invertir en la salud del reparto, aunque ésto no se volvió algo “común” sino hasta los años noventa. 

Creo que la fisioterapia y el asesoramiento personal gratuitos son parte de todos los contratos desde principios de los 2000, y es esencial dado que la gente tiene vidas ocupadas y -a veces debido a la familia u otros compromisos de trabajo- no pueden dedicar tiempo suficiente para mantenerse constantemente en óptimas condiciones.

Video: Sandy Strallen y Cherida Langford en Top of the Pops (3:36)

https://www.youtube.com/watch?v=UvlkkjLBP8M

ACC -Tú eres uno de esos raros artistas cuya carrera se ha extendido durante cinco décadas - ¿Qué ha cambiado para los artistas de la escena desde que comenzaste?

SS - Falta de protección laboral debido al desmantelamiento de los sindicatos organizados. Esto ha socavado la formación y a los primeros calificadores de experiencia, que son esenciales en las carreras de arte escénico como significantes de la intención de un aspirante a intérprete de tomar su oficio en serio (en lugar de ser simplemente un "aspirante").

Internet, que ha sido una bendición absoluta en términos de exponer a los aspirantes a artistas a todo un universo de posibilidades creativas, información y conocimientos sobre habilidades y formación, que por ahora no habrían sido accesibles. 

Las redes sociales como un canal por el cual accederte como artista, individuo, y potencial intérprete, incluyendo tu conjunto de habilidades específicas para el mundo y frente a quienes toman decisiones, que de otra manera nunca habrían sabido de ti. El hecho de que todo el mundo quiere estar en la acción debido al teléfono móvil, TikTok, Snapchat, WhatsApp, Facebook, y la gran cantidad de salidas por las que uno puede ser "visto". 

Todo el paisaje de las artes escénicas y del "interpretacionismo" en su sentido más amplio ha sido verdaderamente democratizado, y ya no es propiedad exclusiva de quienes tienen las ventajas financieras, geográficas y sociológicas para acceder a estructuras de formación e influencia jerárquica. 

Interactividad en juegos de video, creación de teatro y entretenimiento hecho por uno mismo, desde canales de Karaoke y YouTube hasta podcasting. Auto-grabación, influencia y autopromoción. Todo es un universo completamente diferente al que yo empecé a mediados de los 70.

ACC -Tú apareciste como bailarín en dos videos de gran éxito: "I’m Still Standing" de Elton John y "How Will I Know" de Whitney Houston - ¿Cómo fue el proceso para estos dos? 

SS - Fueron experiencias estupendas y, dado que ambos videos se han convertido en promociones icónicas por derecho propio, han servido como excelentes "tarjetas de presentación" profesionales desde entonces y han surgido en las circunstancias más inusuales, incluyendo recibir un pago por una aparición de efectos especiales en la película "Rocketman", cuando los productores decidieron usar el video original y poner a Taron Egerton en escena utilizando tecnología deep fake. 

"I’m Still Standing" fue uno de esos momentos raros en las "artes" cuando todo un grupo de personas simplemente "encaja", y lo que iba a ser simplemente un trabajito en el sur de Francia con Elton y algunos bailarines de ensayo -a quienes recluté como director de reparto-, se convirtió en la filmación más asombrosamente inventiva y casi totalmente improvisada. Los resultados han sido muy populares y muy bien considerados durante más de 40 años. 

La misma compañía de producción, MGMM, hizo el video de Whitney "How Will I know", y "Act of War" de Elton y Millie Jackson, en el que también aparecí con mi esposa. Los tres fueron coreografiados por Arlene Philips, que se convirtió en una gran amiga y me utilizó en varios otros proyectos a lo largo de mi carrera.

Sandy in “I’m Still Standing” (captura de pantalla)

ACC -Además de tu carrera como bailarín y coreógrafo, también trabajaste como instructor de danza en varios centros importantes. ¿Qué te hizo inclinarte hacia la enseñanza? 

SS - He enseñado (entre otros lugares) para la Central School of Speech and Drama, El Conservatorio de Guildford, las Escuelas Educativas de Artes, El London Studio Centre, y muchos otros, incluyendo mi propio taller especializado "Audición para un Musical" en todo el Reino Unido y en otros lugares durante muchos años.

Hay toda una línea continua en enseñar en escuelas de teatro y ser un capitán de baile y coreógrafo asociado en películas y musicales. Uno se encuentra con todos los niveles de habilidad dancística en las audiciones, ensayos y actuaciones, y esto conduce a un conjunto de habilidades para comprender qué tipos de demandas coreográficas es probable que se hagan a los actores y bailarines en cualquier entorno de actuación. Como resultado, tener la experiencia para comunicar estos conocimientos prácticos y consejos antes de que los actores comiencen sus carreras, en mi opinión, solo puede ser una ventaja para ellos. 

ACC -Después de forjarte una carrera como bailarín y coreógrafo, fuiste más allá y te convertiste en productor. ¿Qué te inspiró a embarcarte en esta nueva empresa?

SS - La producción era una habilidad que uno aprendía viendo al ser parte de los equipos de gestión creativa en muchos espectáculos. Uno aprendía los aspectos prácticos de los costos, el presupuesto, y la gestión de personas y habilidades, y también probablemente el elemento más importante, que es la escogencia de reparto eficaz tanto de artistas como del equipo de apoyo para un espectáculo. Fue una progresión natural y comenzó en la década de 1980 cuando comencé mi primera compañía de producción "Fast Forward Productions", para hacer los primeros videos de instrucción de baile. Ahí fue cuando los equipos de filmación y de edición de vídeo comenzaron a estar disponibles para el consumidor. 

Era difícil en los primeros días porque todo estaba basado en el equipo, y éste era de difícil acceso, voluminoso y caro, tanto para alquilar como para usar. La era digital y ahora la capacidad de hacer películas de calidad de cine de 4K reales en un simple teléfono inteligente ha sido fantásticamente liberador para cualquiera que quiera producir. Siempre me interesaron más los aspectos cinematográficos de la danza, ya que mi primera experiencia profesional fue en la televisión del Reino Unido como bailarín en la Segunda Generación con Dougie Squires y otros grupos de baile de televisión en toda Europa, donde aprendí mucho sobre la puesta en escena de la danza para la cámara.

Video: Whitney Houston “How Will I Know”(4:32)

https://www.youtube.com/watch?v=m3-hY-hlhBg

ACC -¿Cuáles son las habilidades necesarias para convertirse en productor? 

SS - Nervios de acero y el encanto de una cabrita en pijamas. Tienes que liderar desde el frente en todo momento al mismo tiempo que estar eterna y encantadoramente disponible para cualquiera que pueda tener una mejor idea, y ser especialmente comprensivo y paciente con la inevitable legión de ideas no-tan-buenas de gente que sólo quiere ayudarte y aportar sus mejores energías para la producción. Es una batalla constante entre lucir relajado y confiado del resultado en todo momento, a pesar de que acabas de perder a tu actor principal, los equipos están varados en el tráfico, la aduana, o se cayeron al mar en medio de la filmación con la mitad del rodaje en la cámara (ocurrió en verdad), etcétera.

Tienes que ser fuerte, eternamente inventivo, y no sólo hacer limonada cuando solo te dan limones, sino ocasionalmente hacer limonada de goma quemada y cáscara de manzana. Tienes que ser capaz de contratar gente, despedir gente, admirar a la gente sin adularlos, respetar el proceso, y mantener tus ojos en el premio, todo mientras sonríes, bailas tap, con una enorme falta de sueño y yendo a trabajar cada día con una actitud enteramente positiva, sin falta, sin idea de lo que nada de ésto significa, o de lo que estás haciendo, o siquiera por qué lo estás haciendo, porque estás tan estresado, exhausto y en la ruina.

En el análisis final, todo ésto -que describe las dificultades y desafíos de ser un productor- también identifica exactamente por qué es la mejor vocación y el mejor trabajo en el mundo. Pero tienes que estar muy loco para hacerlo, y muy afortunado para lograrlo sin quedar en bancarrota o desquiciado.

ACC -Realmente suena como uno de los trabajos más exigentes en el mundo, y sin embargo, tú has trabajado en producción cinematográfica (más recientemente como asistente de dirección en la película de Pontus Lidberg “Escrito en Agua”), y has creado tus propios proyectos cinematográficos. ¿Qué te hizo volverte hacia el cine?

SS - Mi área particular de creación cinematográfica es casi completamente -o al menos mayormente- enfocada en capturar la danza en películas, y en curar y exhibir el trabajo de otros cineastas de danza. La danza, cuando se trata de capturar ideas complejas expresadas a través del movimiento, es un medio genuinamente meta-poético. Aliada con la música, las imágenes en movimiento crean una meta-realidad en la que el elemento meta-poético de la danza es totalmente complementario, y provee una forma de arte creativa, incluso artísticamente holística muy superior a la coreografía interpretada en escena en un espacio teatral delineado  “normalmente”. 

La danza, en cuanto a las limitaciones físicas del cuerpo humano es, en el mejor de los casos, un arte difícil. Así, ser capaz de capturar elementos específicos de diseño coreográfico en isolación del resto del cuerpo, usando técnicas de filmación en close up, le permite al bailarín otorgar la esencia del diseño coreográfico sin tener que representar la pieza en su totalidad una y otra vez, arriesgando cansancio y/o lesión.  

Para el cineasta, es traer la atención de la audiencia exactamente a los lugares y focos que quieres que tengan, al tiempo que editas las inevitables distracciones físicas externas, las cuales siempre van a ocurrir y que estorban en una presentación en vivo. 

ACC -Tú has actuado en el escenario, pero también en películas -más recientemente en "La Bella y la Bestia" y "Mamma Mia!: Aquí Vamos De Nuevo" - ¿Qué tan diferente es actuar en éstos dos medios? ¿Tienes alguna preferencia?

SS - Absolutamente prefiero trabajar en teatro en vivo antes que en películas. En escena eres tan bueno como la energía que entregas en el momento. Hay una cantidad de tiempo finito que vas a ser necesitado, así es que puedes enfocar tus energías en dónde y cuándo sean más efectivas y necesitadas. 

En las películas, estás completamente a merced de los caprichos de la persona que está al final de la cadena alimenticia justo encima tuyo. En las películas modernas ésto significa, incluso si eres la estrella -o un actor principal, o siquiera un actor de reparto- que nunca sabes cuándo te van a necesitar. Nunca tienes acceso directo a nada relacionado a la toma de decisiones, y constantemente tienes que ser paciente con terceros, cuartos e incluso quintos “asistentes de director”. Teatro por sobre las películas, siempre.

Dicho eso, sólo en un rodaje de una película de alto presupuesto con más de cien millones de dólares para quemar tendrás la oportunidad de ser enviado, con todos los gastos pagos y un generoso viático diario, a un país soleado a sentarte en una playa y nadar por dos semanas porque la programación del rodaje ha tenido que ser cambiada de repente, porque uno de los actores principales tiene que asistir a un juicio, está resfriado, el director se volvió loco, o ha rechazado el guión, etc. Borra lo que no aplique.

ACC -¿A quiénes nombrarías como tu inspiración artística?

SS - A Andrei Tarkovski, Ingmar Bergman (por supuesto), Akira Kurosawa, Béla Tarr, Antón Chejóv, Turgenev, el pintor ruso del siglo XIX Isaac Levitan, Robert Frost, Emily Dickinson, Ernest Hemingway, Kurt Vonnegut Jr., Jackson Pollock, T.S. Eliot, Tristan Tzara, Buñuel, Picasso, Goddard, Giacometti, Gregory Corso, William Burroughs, Jean Genet, Mark Rothko….etcétera….etcétera…

Sandy en Kenya, 2014 (Foto cortesía de Sandy Strallen)

ACC -Tú has sido activo en varias caridades y en trabajo de caridad por bastante tiempo ya - ¿Qué te inspiró para hacerlo?

SS - Al llegar a los 50 y darme cuenta que no había hecho nada en mi vida para contribuir directamente al bienestar del mundo, busqué algún tipo de “buena obra” en la que pudiera hacer una pequeña contribución sin causar dificultades a mis “más cercanos y queridos”, lo cual habría sido contraproducente. Las cosas más simples para las que, me parece, hay más necesidad en el mundo son cosas humanas elementales, tales como agua limpia, santización segura, y leer, escribir, y la educación numérica.

El continente africano parece ser el más necesitado, particularmente los países subsaharianos. Escogí “WaterAid” dado que ellos se enfocan casi enteramente en la provisión y la educación enfocada en la salud del agua, su provisión y sanitización a través del mundo, y “Activation”, dado que su único propósito es de elevar el estándard educacional para jóvenes de escasos recursos en Kenya, donde pasé tres años cuando era pequeño.  

ACC - Como un artista que ha trabajado en un abanico tan amplio de áreas creativas, ¿cuál crees que es el rol del arte en la sociedad?

SS - Creo que el rol del arte en la sociedad no es crear ‘cosas’ que aumentan de ‘valor’, bien por su rareza, notoriedad, o siquiera como brillantes ejemplos de habilidad artística inadulterada. Todos estos son muy loables, pero son en esencia sucursales del negocio del entretenimiento, pero no son ‘Arte’. Eso no significa que el arte profesional no puede ser entretenido, pero no es mi creencia que ese sea su propósito principal.

En mi opinión, el verdadero rol del Arte -con “A”mayúscula- que jugar en la sociedad es enriquecer la comunidad espiritual de la sociedad en su totalidad. Puede hacer ésto usando cualquier medio que cualquier combinación de ingenio humano y energía pueda mezclar, por quienquiera que se sienta inspirado para crear pero necesite una aspiración diferente en su corazón.

Nadie necesita tener un título, asistir al conservatorio, o pasar quince años haciendo pliés, o aprendiendo a dibujar el círculo perfecto para ser artista.

Si, como se dice con frecuencia, el arte dispara “algo comprendido” en el alma humana, así para entrar y habitar los lugares meta-poéticos donde profundiza la comprensión de la condición humana, enriquecer la existencia experiencial de la humanidad en formas que bordean la inefabilidad, entonces la meta del artista sobre todo es aspirar a hacer una cosa, un artefacto, un artificio que llena o al menos aspira a llenar este rol. 

El verdadero artista tal vez deba ser y probablemente sólo es medido por la profundidad de vocación de éstas aspiraciones.

ACC -Y eso, por supuesto, nos lleva a debatir la pregunta de “qué es el arte”…

SS - Todo lo que es una cosa hecha es 'arte' en tanto que es el producto del artificio humano, y por lo tanto un artefacto. Esta cosa hecha, este producto esencial de la imaginación, esta obra de arte es digno de atención, ya sea "significativo" o no.

Creo que el arte se define con demasiada frecuencia por lo que es 'hecho' por 'artistas' para el consumo de otras personas que no se consideran artistas. La admiración inherente de la técnica, la originalidad, las habilidades, la formación y la disciplina inherentes a la 'cosa hecha' del artista confiere al arte un valor y un significado desproporcionados con su sentido verdadero e inherente sentido meta-poético. 

La creación del arte, su existencia real, de ninguna manera garantiza que lo que está 'hecho' será necesariamente 'Arte' solo porque lo hizo "un artista".

Vivimos con arte en el mundo de la experimentación meretricia, y lamentablemente con un formulismo contemporáneo de wokismo e igualdad de resultado. Un mundo del arte que -por ejemplo, entre muchos que podría seleccionar- sostiene vociferantemente y de manera ocasionalmente agresiva que un hombre con un vestido que hace una pantomima de Cher es un "artista". 

En un mundo en el que la competencia técnica y los puntos de vista hipercríticos, la política, las cadenas de valor y la valoración fiscal real de las reputaciones son primordiales, el arte es ahora desplazado como un comercio, como algún tipo de declaración y aún más disparatado, como una clase de activo comercialmente viable.

Video: EnTANGOed - "Dance your PhD", 2015 (3:16)

https://youtu.be/BzKdKJn9El4

ACC -¿Qué recomendarías a aquellos que están considerando una carrera en las artes escénicas?

SS - La curiosidad intelectual es primordial para cualquiera que esté considerando una carrera en las artes. Yo dirijo un taller para aspirantes a actores que conocen o tendrán que conocer a directores, llamado "¿Qué dices después de decir hola?".  

La lección clave del cual es que, si no puedes hablar durante al menos tres minutos sin parar sobre un libro que descansa sobre tu mesa de noche (o una idea fuera de tu burbuja personal de existencia y a la que has dedicado al menos treinta minutos de cada día a leer, reflexionar y absorber), entonces realmente tendrás muy poco que ofrecer a cualquier director o incluso a otro colega creativo. Ellos te necesitarán, y te harás querer mucho más allá de los elementos marginalmente menos importantes, como si te ves bien o puedes cantar, bailar o actuar "lo suficientemente bien". 

Entrenar la mente es tan importante  o más que los atributos físicos de un intérprete.

Aprende al menos un poema cada mes y sé capaz de recitarlo. Es excelente tanto para la memoria como para la memoria muscular, pero también proporciona un amplio repertorio de material de audición. Solo uno, pero CADA mes. El teléfono móvil es excelente para ésto y la Fundación de la Poesía tiene un listado con todos los poetas publicados en el mundo, así que comienza con la "A". Te convertirás en un experto en memorizar "los extras" - que son las piezas de guion que si estás en una película, te darán desde un día hasta, literalmente, 10 minutos antes-, los cuales siempre serán un desafío si no ejercitas diariamente tu capacidad de memorizar, comprender,  y extemporizar tratamientos emocionales de texto.

Si quieres estar en el cine en cualquier forma, ya sea como intérprete o creativo, lee biografías de los grandes cineastas populistas, de Billy Wilder a Hitchcock, Scorsese, etc. Si quieres estar en teatro, lee biografías de los actores que han combinado longevidad, respeto y éxito tanto en el teatro como en el cine. Lee a Tolstoy, lee a Hemingway, lee a Scott Fitzgerald, lee a Agatha Christie, a Jane Austen, a Cervantes - lee, lee, y luego lee más. 

Y manténte alejado de las imitaciones, tanto como los feeds de las redes sociales y memes sin relación a tí, los maratones en televisión - que te harán aburrido y, aún peor, te harán empezar a pensar en clichés.

ACC -¡Consejos que tal vez todos deberíamos seguir! Pero, enfocándonos en el teatro, ¿qué consejos le darías a jóvenes actores/bailarines empezando sus carreras y el proceso de audiciones?

SS - SÉ tú mismo. Si no sabes quién eres, entonces ENCUÉNTRATE a tí mismo. 

Entrena - todo los días. Aprende malabarismos mientras conduces un uniciclo, patina y párate de cabeza.

Es difícil, pero siempre será mucho más fácil que lidiar con la mortificación y autoconsciencia de sentirte falso, porque secretamente no te esforzaste lo suficiente para luchar contra la tendencia humana natural hacia la flojera y la entropía. 

Vas a SER descubierto -si no por nadie más que por tí mismo, pero la vergüenza de tener falta de autenticidad personal es lo peor en el mundo. No puedes esconderte de ti mismo, y socavará cualquier sentido de autoestima genuina que hayas logrado descubrir y canalizar.

Tus procesos internos son lo único genuino con lo que naces, puedes desarrollar y ofrecer al mundo exterior. Todo lo demás es externo, periférico, no puedes poseerlo ni tener ningún control sobre él y "nadie sabe nada". 

ACC -¿Tienes algún proyecto a futuro?

SS - Sí - una película de danza basada en tres cuadros de una pintura que se llamará "Un Tríptico". Ofrece perspectivas y exploración de tres diferentes caminos de creencias místicas de los individuos humanos - paganismo, cristianismo y taoísmo, reuniendo elementos clave de cada uno en una peregrinación bailada a través de paisajes urbanos, desde el Purgatorio hasta la Eremita, acompañado por el ciclo de canciones de Samuel Barber "Las Canciones del Ermitaño". 

También estoy escribiendo dos largometrajes: uno, "Chejóv Saluda y Sale", sobre los últimos treinta segundos de la vida de Antón Chejóv en los que, en un sueño de fiebre tuberculosa al morir, se encuentra con las mujeres que escribió en sus obras, todas interpretadas por su esposa, la gran actriz y su musa, Olga Knipper.  

Las escenas están ambientadas en extractos totalmente nuevos y reescritos de cada una de las obras en las que estos grandes personajes aparecen durante cada interrogatorio, en el que está continuamente casi ahogándose en varias versiones de "La Laguna de la Gaviota", que constantemente se pinta, se limpia, se raspa y se repinta por su gran amigo, el brillante pintor Isaac Levitan, mientras Stanislavsky y otras figuras clave en su vida -desde Tolstoy a Gorky- se sientan en el banco como una audiencia, y critican la veracidad y la habilidad de sus representaciones 

La otra película, "Courante", es sobre de la trata de personas entre los corredores de toros y las tribus nómadas zíngaras de la Camarga.

Sandy ensayando la coreografía de “Un Tríptico” junto a Stuart Thomas

(Foto: Wilky Photography)

ACC -Todos suenan fantásticos. ¿Qué te hizo elegir estos temas para desarrollarlos?

SS - Como tantos proyectos literarios, “Chejóv Saluda y Sale” comenzó con un simple grupo de “¿Qué tal si...?”. Qué tal si, de cara a su inminente mortalidad, Antón Chejóv se hallara atrapado en un sueño insprado por la fiebre, en un momento de reflexión? Un terrible timor-mortis que parte el alma, el cual lo encuentra ahogándose en su laguna de La Gaviota, desde la cual todas las mujeres en su vida lo pasan rescatando, arrastrándolo a la superficie para sermonearlo, hasta que vuelve a deslizarse bajo la superficie? ¿Qué tal si su confianza ya lo ha dejado después de leer los “Estudios sobre la Histeria” de Freud mientras escribe a Nina en “La Gaviota”? ¿Qué tal si su sentido del fracaso se ha disparado al enfrentarse a todo un nuevo paisaje de comprensión de la psíquis humana y la finalidad de su mortalidad que se acerca rápidamente? ¿Qué tal si la gente inmensamente creativa a quienes contaba entre sus amigos más queridos y cercanos, cuya creatividad admiraba tanto -tales como Tolstoy, Gorky, y Pushkin- hubiesen comenzado a traducir su comprensión del mundo en críticas duras y descarnadas, tanto de su sentido de humanidad como de sus motivaciones como escritor?

Esta idea se me presentó como una manera potencialmente satisfactoria de interrogar el proceso creativo de la escritura, examinando la experiencia rusa burguesa pre-revolucionaria de finales del siglo XIX, y mirar a Chéjov el hombre como si fuera a través del largavista del telescopio de su trabajo. Es una oportunidad para sintetizar las tres voces literarias principales pero completamente diferentes de Chejóv, Tolstói y Pushkin en un solo coro de ideas ocasionalmente chocantes, interpretado por los actores del Teatro de Arte de Moscú, según lo dirigido por Stanislavski.

"Courante" se inspiró en un viaje fotográfico-periodístico que hice a la Camarga en la época de la gran peregrinación gitana de la Fiesta de Les Saintes-Maries-de-La-Mer, que se celebra anualmente los días 25 y 26 de mayo de cada año. Pueblos nómadas de todo el mundo acuden para celebrar el milagro de la "Sara Negra", cuya efigie representa una de las tres mujeres más cercanas a Cristo en su crucifixión y posterior entierro. Estas mujeres, según la leyenda, escaparon de Tierra Santa a través del Mediterráneo como refugiadas de la masacre romana hacia los cristianos, llegando a las costas de las salinas de la Camarga en una tormenta gigante, después de haber llamado al Cristo para que las salvara. 

Cada año, la efigie de la "Sara Negra" sale en procesión hacia el mar desde la iglesia en medio de miles de peregrinos, gitanos, caballos, jinetes y toros. Ella es bendecida en las aguas, y los gitanos zíngaros se lavan en las mismas para su bendición y protección durante el siguiente año. El tema sintético de "correr" se me presentó después de asistir a la competencia de encierro en la arena, conocida localmente como Les Courses Camarguaises, que se efectúa simultáneamente con la Fiesta, de ahí el título "Courante". 

Storyboards para “Un Tríptico” (cortesía de Sandy Strallen)

Un tema que se expande a través de la obra es de cómo, bajo la cubierta de todo esto, existe un enorme comercio de trata de personas en el que los gitanos zíngaros son a menudo instrumentales. Los refugiados se hacen eco de los viajes de la Sara Negra y sus compañeras, mientras huyen de los horrores globales en otros lugares. 

Todo "Courante" se emplaza sobre el tamborileo insistente del tiempo que literalmente se nos acaba a todos por el cambio climático. Este está cambiando notablemente la cara del paisaje Camargués a gran velocidad, tal como en el delta del Mekong, el delta del Ganges, las costas ecuatoriales de África Occidental, y grandes partes de las costas de América del Sur, América del Norte y Europa, causando una ola cataclísmica de movimiento humano. 

Si todo esto suena un poco serio, el proyecto es en gran parte cómico. Los personajes que pueblan el elenco de la película son extremos y viven la vida al máximo, y los temas precipitados los llevan a todos a un conflicto cómico, a pesar de los rigores y peligros inherentes al tratamiento temático general. 

La película es una farsa de identidades erróneas, los resultados cómicos y peligrosos de los prejuicios, de la apropiación cultural indebida a escala ridícula, consecuencias no intencionales, una celebración de la belleza de la naturaleza, alegría de vivir en el Mediterráneo y, en general, presenta a los personajes malos que conocemos recibiendo merecidos castigos y ajusticiamientos, humillantes pero completamente no violentos. 

Todo el conjunto se acompaña de la energía rugiente de la música gitana y música sincrética del mundo de todos los estilos.

ACC - Hemos sabido que actualmente te encuentras escribiendo tus memorias - ¿puedes contarnos más acerca de ésto?

SS - Entrar a trabajar en teatro -tal como he descubierto- literalmente es presentarse accidentalmente en el lugar correcto en el momento correcto. Esto parece haber ocurrido suficientes veces en mi vida, y pensé que podría ser instructivo para mí dejar de tomar este proceso milagroso por sentado, y tratar de deshacer y desempaquetar algunos de los aspectos comunes del proceso en los últimos 50 años como 'artista' profesional, y examinar cómo podrían haber ocurrido. Esto podría resultar en algo como tirar las alas de una mariposa para tratar de averiguar cómo vuela - es decir, un ejercicio en futilidad.

Es un examen de los imperativos de la vocación, una disección del proceso de hacer danza que ha sido mi oficio profesional por suficiente tiempo como para sentir que podría haber recogido alguna idea de los procesos, y tal vez algunas de las habilidades requeridas para tomar decisiones informadas sobre la mejor manera de tratar de hacer una carrera en el teatro y la danza profesional. 

Sobre todo, es una memoria en celebración de las cientos de experiencias que he tenido y las maravillosas personas que he encontrado, todas las cuales me han formado, o al menos tantas como me importa recordar. En la última página me encantaría haber articulado al menos el esquema de lo que podría pasar por un credo creativo. 

Por encima de todo, una memoria es un ejercicio saludable en el que todo ser humano alfabetizado debe participar. Esto, para no morir completamente inseguro de por qué podríamos haber vivido. Como el Dr. Johnson opinó tan memorablemente, "la vida no examinada es la vida a medio vivir". 

(Foto: Livio Salvi)

ACC -Tú mencionas que estar en el lugar correcto en el momento correcto te permitió acceder a la mayoría de éstas experiencias profesionales. En tu opinión, ¿cuál es el rol de la "suerte" en una carrera artística exitosa?

SS - Hay una triste frase que puede ser utilizada por mucha gente, que "nunca pierden una buena oportunidad de perder una buena oportunidad". Así como muchas dádivas de asombrosas oportunidades, también he tenido una cantidad de maravillosas oportunidades perdidas debido a juicio erróneo, mala sincronía, indecisión, miedo o simple ociosidad. Sin embargo, si uno tiene suficientes momentos del tipo "¡Oh Dios mío, pellízcame!", ocasionalmente estos afectarán a nuestra generalmente densa e incompleta apreciación de la vida para que uno se dé cuenta de que, aunque nunca podemos discernir lo que podría llegar a ser, "hay un destino que da forma a nuestras vidas, ásperas las labramos como podemos". 

La gente dice que el suertudo hace su propia suerte y, como budista de toda la vida, creo firmemente que uno obtiene exactamente lo que uno siembra, emocionalmente, profesionalmente, en términos de aplicación al negocio de simplemente vivir junto a otros seres humanos, y de cómo uno se trata a sí mismo. 

La suerte en la que creo que viene de ser consciente de la oportunidad en cada forma, aprovechando el momento, sintiendo la presencia de la oportunidad, y llevándote a ti mismo junto a ella. Es totalmente posible que uno lo arruine todo en cualquier momento, así que mantenerse consciente de ello -todo sin volverse un atado de nervios por el miedo a que la suerte se acabe- es tan importante como la "suerte" misma, sea la que sea. Uno puede tener suerte al ganar la lotería totalmente por accidente, solo para descubrir que demasiada riqueza trae su propia mala suerte. 

El rol de la suerte en una carrera probablemente funciona en proporción directa a la cantidad de tiempo, esfuerzo, dolor, sudor y lágrimas que uno está dispuesto a invertir para lograr lo que uno considera como sus "verdaderas" aspiraciones. 

Lo que he aprendido de valor inestimable para cada situación es - afíncate. Incluso si uno fundamentalmente no está de acuerdo con la premisa, la dirección, o incluso el concepto de un proyecto, una vez que uno está "adentro", continúa agregando tu propia gravedad específica a todo - uno nunca sabe a dónde el tiempo y la suerte lo llevarán. 

ACC -Dada tu amplia experiencia en tantos campos del arte, ¿cuál dirías que es la fórmula para el éxito? ¿Acaso existe?

SS - Existe, curiosamente, lo que sólo puedo describir como la "no-fórmula" para el éxito: Despójate de cualquier pretensión de fama o fortuna, ya que son totalmente volubles. Examina la noción de la envidia muy de cerca, y luego esfuérzate en cada momento de vigilia para asegurar tu habilidad de desear lo mejor a tus semejantes desde tu corazón y alma, y nunca envidiar, sino sólo emular su éxito a cada paso.

Nunca esparcir chismes sobre tus colegas, pues en el mejor de los casos es tóxico, superficial, y a menudo es solo una estratagema de otro u otros con intereses creados, para ponerte en desacuerdo con alguien con quien no tienes ningún problema. Tratar de nunca desperdiciar tiempo precioso y cada vez más escaso en externalidades, que podría ser utilizado de otra manera, simplemente mejorando en lo que has elegido para ser bueno.

Explorar e internalizar las bases fundamentales de la neuroplasticidad, cómo se organiza el cerebro, y cómo llegar a ser bueno en algo es acerca de repetir patrones beneficiosos de actividad.

Practica tu oficio y maestría técnica tan tranquila, diligente, modesta y preferiblemente tan privadamente como sea posible, y luego combate el principio humano de entropía para practicar una y otra, y otra vez. 

Practica mirar a los ojos a cada persona con alegría, una ausencia de potencial para conflicto. Come bien, ríe mucho, y duerme cada vez que puedas. Lee, lee, y lee aún más. Preséntate en todas partes con una sonrisa y luz en tus ojos, recordándote a tí mismo que incluso en tus días más oscuros, sin duda alguna, habrá alguien en la multitud cercano a tí teniendo una día aún peor.

Inspirar, enseñar, compartir y encontrar un chiste bueno, amable, y terriblemente jocoso para contarlo a la mayor cantidad posible de gente cada día. Este hábito es particularmente bueno para el corazón, el alma y la memoria. Nunca ofrecer consejos u opiniones, sino simplemente pensamientos de amor y apoyo, y -sobre todo- siempre esperar a que te los pidan.

Averiguar quién es el mejor que puedes encontrar que hace lo que haces y luego deconstruir cómo y qué es lo que hacen hasta el más mínimo detalle. Nunca olvidar que nunca es lo que parece, para nadie. Decir la verdad, particularmente en el arte. En las palabras de J. Keats, "La belleza es verdad, verdad belleza,-eso es todo lo que conocéis en la Tierra, y todo lo que necesitáis conocer." 

ACC - ¡Podríamos seguir hablando contigo para siempre, Sandy! Lamentablemente, se nos acabó el tiempo, así es que tendremos que esperar a tus memorias para saber más de tus fascinantes puntos de vista y experiencia. Muchas gracias por permitirnos ésta generosa tajada de tu tiempo, y por todas las perlas de sabiduría que has compartido con nosotros. Te deseamos lo mejor con tus proyectos, y estaremos pendientes de “Un Tríptico”, “Chejóv Saluda y Sale”, y “Courante”.

Para Saber Más...

*Para conocer más sobre la compañía de producción de Sandy y sus próximos proyectos, visiten su página web: www.strallens.com

*Para ver más de los videos de Sandy y avances de sus proyectos fílmicos, hagan click en los siguientes enlaces:

-Nunc Dimitis: https://vimeo.com/41514010

-Hanoi Morning: https://vimeo.com/8457356

-The Heart Sutra: https://vimeo.com/74897097

-Chekhov Bows and Leaves: https://vimeo.com/16544696

Fotografía de portada: ©Mark Berry